Julieta Belmont

 

Les presento a mi amiga Julieta quien es fotógrafa de Bodas en Cancún y la Riviera Maya principalmente.

Desde que estaba en la secundaria me enamoré totalmente de la fotografía. Estudié Medios Masivos de Comunicación en la Universidad Autónoma de Aguascalientes y ahí fué cuando dije que yo quería ser fotógrafa, todavía no sabía de que pero ya la decisión ya estaba tomada.

Terminando la carrera me fui a estudiar fotografía un año a los Estados Unidos. Regresé a México, llegué a Cancún, y  meses después llegó el que hoy en día es mi marido. De eso ya hace 9 años

Después de un año nos casamos y nos fuimos de luna de miel. Fué una luna de miel un poco larga 6 meses. Regresamos de luna de miel a buscar trabajo.

Yo no quería trabajar en nada que no tuviera que ver con la fotografía. Mi marido conoce a un amigo que su mamá es organizadora de bodas (Denise Courtney) me da una entrevista. En mi vida había tomado una boda, entonces le llevé mis fotos de paisaje y las pocas sesiones que tenía.  Denise ve algo en mi y me presenta con Samuel Luna.

Samuel Luna me invita a 5 bodas. A la quinta boda va a dejarme a la casa y me dice mi Julie ¡Ya estás lista!. Ya se imaginarán mi cara de emoción.

De esto hace ya 8 años . En 8 años he construido Belmont Photography.  He ganado la confianza de mis clientes, empecé con una cámara y un lente, hoy tengo 3 cámaras y más de 4 lentes entre otros muchos  gadgets

Amo mi trabajo, estoy más que enamorada de lo que hago. Siento adrenalina cuando estoy tomando una boda. Me apasiona capturar momentos especiales para los novios. Estoy convencida de que si hago bien mi trabajo, me recordarán para toda su vida. En verdad disfruto dirigir a las parejas y reirme con ellas. Cuando eres fotógrafo de bodas, tienes que tener las emociones a flor de piel, tienes que poner atención a lo que están diciendo para poder captar las emociones. Además, cada vez que voy a una boda recuerdo vividamente la mía, lo cual considero un plus.

Cuando tengo una cámara en mis manos, me siento invensible, la mujer maravilla, todos los que nos dedicamos a la fotografía de algún modo tenemos un super poder, el de congelar en una imagén la alegría y el amor de una boda, la mirada llena de recuerdos de los abuelos, lo que dicen las manos,  los detalles que con tanto cariño han preparado los novios, somos parte importante de ese gran día, por que al final lo único que nos ayuda a recordar y a revivir ese gran día son las fotos y el video. Teniendo eso en cuenta doy el 101%, por que sé que el día de mañana la pareja lo va a valorar muchísimo.

Todos nos enfrentamos a retos todos los días y van variando dependiendo de la edad , a lo que nos queramos dedicar, la familia. Mi reto de todos los días es con mi mano y pierna derecha  Tengo Paralisis Cerebral esto significa que no puedo mover bien la parte derecha de mi cuerpo.

Actualmente mi esposo y yo nos estamos preparando para la Aventura de nuestras vidas,  nos vamos de Alaska a Argentina a tomar fotos de paisajes y hacer sesiones por toda América. Conociendo la cultura y las historias de los demás.

Me pueden encontrar en

Facebook Julieta Belmont / The Overland Diaries

Instagram: belmont.photography

Cel (998) 144 63 63

www.belmontphotography.com

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“Las Doñas” Doña Martha y Don José Luis

 

Nombrada asi, en agradecimiento a mis padres, es hasta hoy, la pieza más ambiciosa de mi carrera como artista visual. Forma parte de mi reciente colección “Las Doñas” colección representa el incio en la conversión de mis fotografías en arte-objeto, integrando elementos tridimensionales a mis imágenes.

 

Para la creación de esta puerta recorrí 1,880 km, lo que se traduce en 21.49 horas de carretera, dos “no” y finalmente un “si” de la dueña del predio en que la localicé, quien amablemente accedió a venderme las argollas y el candado original de su puerta.

 

La imagen de Doña Martha (la puerta), está compuesta por nueve fotografías en tres secciones, al tomarlas utilicé la técnica HDR o braqueteado, tres exposiciones con un paso de diferencia, con el fin de poder captar las texturas de la madera de la puerta, posteriormente en mi taller, las uní en Photoshop en el proceso de panorama, obteniendo finalmente una imagen de 203 cm de altura por 108 cm de ancho. Lo anterior la convierte la impresión en Canvas Crystalline (Satinado) más grande que haya impreso en Arte-Print hasta hoy. Seleccioné este tipo de canvas debido a que tiene certificación por 100 años antes de comenzar a perder color, sustentando la clasificación de calidad museográgica.

 

Al igual que las demás piezas de esta coleción, es una obra única, ya que los elementos tridimensionales de las puertas, pertenecíeron originalmente a cada puerta.

 

Por lo general, mis series son de 16 y 4, lo que hace a “Las Doñas” la colección más exclusiva que haya creado hasta ahora.

 

Don José Luis, es también una pieza muy peculiar, es una clásica bicicleta Windsor, reconstruida fabricada con piezas de seis bicicletas, fue en ensablada en el taller del mecánico de bicicletas conocido como “Azulito”.

 

¿Por qué una bicicleta? Un día que estaba explorando, en búsqueda de puertas, entre otras tantas, tomé unas serie de fotografías de esta puerta, al regresar y analizarlas en mi computadora, en algunas de las imágenes, aparecía gran parte de la llanta trasera de una bicicleta, entonces, me obsesioné con la idea de tener una bicicleta en mi obra y la manera en la que logré materializar esa idea, fue con una bicicleta completa frente a la puerta.

 

Como muchos saben, el enmarcado para mi, es de vital importancia, ya que el marco puede realzar o minimizar el impacto visual de una obra.   Para esta parte tan importante, desde hace un par de años para este tipo de impresiones, vengo trabajando con el maestro Liborio Cortés, en la creación de mis marcos y es él quien hace que mis fotografías luzcan increíbles. Para Doña Martha decidimos construir el marco en tipo caja veneciana, con polines de construcción, que es el material que enmarca la puerta origina, así que me dí a la tarea de conseguir 3 polines perfectamente imperfectos, que lograran el aspecto y el sentimiento de buscaba, una vez ya con ellos en mi poder, se los lleve al maestro Liborio para que les de el tratamiento que considere pertinente.

 

Tips para Mejorar tu Fotografía de Paisaje

 

La fotografía de paisaje es uno de los generos más populares entre los fotógrafos amateurs, muchos fotógrafos profesionales comenzaron hacíendolo como un pasatiempo. Sin embargo, hacer fotografía de paisaje, es mucho más que solo salir a un lugar que te gusta mucho, y hacer clic a la cámara.

En ocasiones ¿te ha sucedido que sales a crear fotografías de paisajes, llegas a tu casa las bajas en tu computadora y no salieron como lo esperabas? A continuación te daré unos tips que te ayudarán a mejorar tus fotografías de paisaje.

 

1 – Estudia la Escena

Algo común al inicio en la gente que inicia, es ir a un sitio, tomar una o dos fotots y listo. Si observas a una persona más experimentada, tomará muchas más fotografías, lo verás rondando por el área analizando la escena y que más puede hacer con ella.

Busca ángulos diferentes, asi como alturas diferentes, íncate, acuestate en el piso o subete a una piedra. Utilizando equipo digital, puedes tomar infinidad de imágenes a un costo muy bajo, así que, trabaja la escena y observa que más puedes obtener de ella.

 

2- Líneas y Patrones

Esto es algo que aprendemos desde el principio, “encuentra la línea principal” esa que llevará al espectador a recorrer tu fotografía. Cables, caminos, cualquier cosa parecida a una línea, que comience en un extremo de tu imagen y te lleve hacia adentro de ella. Es una invitación a observar tu fotografía.

Un patrón, puede ser una gran herramienta para llamar la atención. Si llegas a ver un patrón en algún sitio y haces una fotografía, es muy propable que tu audiencia, también lo encuentre interesante. Los patrones están en todas partes, solo es cuestión de poner atención, en la arqtutectura, en el piso, en el tronco de un árbol, en fin, las posibilidades de encontrarlos son infinitas.

 

3- Hora del día

Como lo hemos platicado en ocasiones anteriores, la hora del día es muy importante. Asi como en muchas partes del mundo también la época del año es importante.

Aquí en el sureste mexicano, al medio día la luz del sol es implacable, y nos dá sombras muy marcadas y los colores pierden su riqueza.

Por lo tanto, es importante pensar donde quieres crear tus imágenes, y que hora del día es la mejor. La mayoría de la gente prefiere temprano por la mañana, la luz es excelente, hay poco o nada de gente, y es una excelente manera de comenzar el día.

En algunas partes, tus paisajes serán mejores al amanecer, ya que el sol se mete en el horizonte en una zona poco atractiva o no de tu interés. O puede ser todo lo contrario. Por ejemplo en la Riviera Maya, los amaneceres son extraordinario, todo lo contrario a la costa del pacífico, donde los atardecer pueden ser increíble.

 

4 – Profundidad de Campo

Cuando hablamos de que es lo que hace una buena fotografía de paisaje, una de las técnicas que necesitas dominar, es la profundidad de campo. En la fotografía de paisaje, a menos que tu creatividad te lo demande, es importante que toda la imagen este en foco. Para lo anterior es necesario trabajar aperturas entre f/16 y f/22, para lograr tener en foco todos los elementos de tu composición. Como comentario al margen, al estar utilizando una apertura reducida será importante utilizar un trpie, debido a que la cantidad de luz que está llegando a tu sensor es muy poca y necesitarás tiempos más largos.

5 – La Regla de los Tercios

Esta regla, es la más conocida y utilizada al hablar de composición. Si estás iniciando en la fotografía de paisaje, intenta dividir tu imagen en tercios imaginarios, especialmente de forma horizontal, aunque en ocasiones, será necesario que tambien lo hagas de manera vertical, para trabajar con algunos elementos verticales.

 

6 – Agua

El agua es uno de los elementos que más beneficia a una fotografía de paisaje. Puede ser desde el punto de interés hasta ayudarte a crear efectos visuales únicos, sea cual sea su estado. Si trabajar con agua, notarás que la hora siguiente al amanecer y la última hora antes del atardecer, los cuerpos de agua como lagos, esteros y lagunas, puedes utilizarlos para crear, reflexiones del paisaje que los rodea, ya sea una montaña, el manglar o un lirio solitario.

 

7 – Comienza con una Visión

Hay mucho que decir al hablar de salir a tomar fotos, solo por el gusto de hacerlo.  Para mi, en la fotografía de paisaje, pocas veces esto da un resultado satisfactorio.  Si realmente quieres capturar imágenes que capturen la atención de tu audiencia, necesitas comenzar con un plan, con la visión de cómo quieres que sea la imagen final. Pregúntate ¿qué es lo que quieres capturar? ¿incluye movimiento? Como por ejemplo el agua de un río ¿Qué emoción quieres transmitirle a tu audiencia?. Planea tu fotografía. Visualiza que quieres capturar y como se lo quieres mostrar a los demás. Eso si, preparate para visitar tu locación varias veces, para asi determinar la hora, el ángulo, el clima e incluso la estación del año y analizar como se comportan tus elementos en las diferentes condiciones de luz.

Sergio Reza

Sergio Reza  (SR Projekt Photo)

Muchas veces un hobbie se inicia como un pasatiempo con el objetivo de tener experiencias lúdicas, agradables momentos para salir del fuerte stress del trabajo profesional, pero posteriormente se transforma en una actividad alterna llena de experiencias, de conocimientos pero sobre todo de muchas satisfacciones.

Siempre la fotografía ha sido una constante en su vida desde sus primeros años, quien aprovechaba los momentos familiares o los eventos automovilísticos para dar esos primeros pasos autodidactas de atrapar instantes en el tiempo. Algunas clases en la preparatoria trabajando en el cuarto oscuro, el manejo de los químicos para la impresión, la adquisición de una cámara análoga prácticamente todo terreno Pentax K-100, mucha práctica y el encuentro con los clásicos fotógrafos en los muy escasos libros disponibles dieron formación a una pasión.

Originario del antiguo Distrito Federal, el camino profesional en la áreas técnicas de la ingeniería dentro de las industrias farmacéutica y posteriormente aeronáutica le permitió disfrutar del norte del país y desde hace 7 años del maravilloso paraíso del Caribe Mexicano donde esa pasión por la fotografía encontró un perfecto lugar para consolidar imágenes.

Unido a la otra pasión que es el automovilismo, algunas de las fotografías de eventos internacionales han sido expuestas en medios como GP Moments, Mundomotor.mx, y fue el fotógrafo del libro editado en el 2015 llamado “Los 100 Momentos de la Historia de la Formula 1” donde se exponen 115 obras pictóricas de Cesar Galindo.

También esa actividad lúdica se transformó en coincidir con fotógrafos locales para seguir aprendiendo y poder realizar paseos y caminatas. Por la coincidencia con gente afín se pudo encausar a la organización de una EXPO en el Hotel In Fashion Boutique en Playa del Carmen en el mes de marzo 2016. “Visiones de la Naturaleza, Sureste Mexicano” la cual fue una muestra colectiva de doce fotógrafos bajo el nombre de Croissant Foto Group donde se dio una mirada a la belleza del sureste. Esta misma exposición encontró otra sede en la Casa de la Cultura en Cancun en el mes de junio 2016 la cual fue reseñada en los medios locales.

En el mes de Marzo 2017 participó con 6 obras fotográficas en el Concurso de Pintura y Fotografía “El Automóvil” dentro del marco de la Gran Concurso Internacional de Elegancia en su versión XXXI en Huixquiluan, Edo de México. En competencia con 70 diferentes obras obtuvo el primer lugar por decisión unánime llevándose un premio en efectivo. La fotografía ganadora es una imagen en Blanco y negro en alto contraste de un Porsche 919 saliendo de la curva Tettre Rouge en las 24 horas de Le Mans 2015.

Actualmente en conjunto con el Grupo Foto-Grafico se está preparando una exposición de 30 obras en el sitio más concurrido de la península de Yucatán. El nombre de la Expo es “Estampas del Sureste” una muestra de las bellezas naturales de la península: Flora, Fauna, Paisaje, Gente, Arquitectura la cual se inaugurará en julio 2017.

“La búsqueda incesante del perfecto instante que quedará marcado más allá de la memoria”

Su trabajo puede ser visto en Instagram: SR.Projekt.Photo

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El equipo mexicano de Ricardo Gonzalez se llevó en triunfo en las últimas vueltas en la categoría de LMP2, la euforia en las tribunas era muy grande. El festejo inicia en la última vuelta. Autódromo Hermanos Rodriguez @ Agosto 2016 19 mm, f/4 a 1/400 seg en ISO 400
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En las 6 horas de México 2016, dentro del Campeonato Mundial de Resistencia compitieron 4 mexicanos, uno de ellos es Luis Miguel Diaz en un auto Gibson. Esta foto fue tomada a baja velocidad de la cámara para mostrar solo una parte de la imagen nítida y todo alrededor difuso dando una sensación adicional de velocidad. Muy difícil por el paso del auto! Autódromo Hermanos Rodriguez @ Agosto 2016 29 mm, f/16 a 1/40 seg en ISO 100
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Esta foto la tomé en el atardecer de las ESSES, un lugar tradicional del circuito de Le Mans durante las 24 horas del 2015. La atmosfera no ha cambiado en 50 años, aunque la seguridad de la pista si se ha incrementado. La diferencia de las velocidades en los autos hace difícil tomar una buena foto del lugar. Le Mans, Francia @ Junio 2015 300 mm, f/7.1 a 1/2500 seg en ISO 250
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La premiación del primer lugar al equipo del mexicano Ricardo Gonzalez acompañado de sus coequiperos Bruno Senna y Filipe Alburquerque. Felicidad total en la cara de todos. Autódromo Hermanos Rodriguez @ Agosto 2016 112 mm, f/5.6 a 1/25 seg en ISO 1250
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Una toma de larga exposición en el amanecer en el Puerto pesquero de San Felipe en la península de Yucatán. La calma del lugar es contagiosa, atmosfera Zen!! San Felipe, Yucatán @ Febrero 2017 10 mm, f/22 a 30 seg en ISO 100
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Otra foto de larga exposición en el Muelle de Puerto Morelos, antes de iniciar las altas actividades de los turistas y pescadores. Puerto Morelos, Quintana Roo @ Abril 2017 50 mm, f/11 a 20 seg en ISO 100

 

Composición Fotográfica

 

¿Cuál es la diferencia entre una buena y una excelente fotografía? Suponiendo que la exposición y el enfoque son correctos, y los colores han salido a la perfección al imprimirla, hay una serie de elementos de los hablamos continuamente al observar una fotografía: Estos elementos, se resumen a lo que llamamos “Composición”. Y dependiendo de con quien lo discutamos, existirán puntos de vista y reglas diferentes, he aquí, algunos de ellos.

Centro de interés

Cada imagen tiene o debe de tener un centro de interés. El centro de interés es lo que nos hace hace entender de que trata la fotografía, tu mascota, el castillo de Tulum, las olas, etc.

Aunque lo llamamos centro de interés, no tiene que estar en el centro de la fotografía ni debe de ocupar el mayor espacio en ella.

La selección de tu centro de interés es para mi, la decisión más importante al componer una fotografía, es a partir de este elemento, que controlarás el mensaje que quieres transmitir con tu imagen.

Rellena el cuadro

Si quieres transmitir algo con una imagen, ocupa el mayor espacio posible con ese algo, asegurándote asi que ese es el centro de atención. Es muy común querer sacar demasiadas cosas en una fotografía, muchas veces, perdiendo con esto, la escencia del mensaje que queriamos transmitir, debido a la gran cantidad de elementos dentro de nuestra fotografía. Si tienes duda de que si algo debe o no debe estar en tu foto, la recomendación es, eliminalo.

Líneas

La líneas son elemtos de gran importancia en las artes visuales. Son las responsables de dar forma a las cosas, de mostrar contornos, con ellas podemos transportar a nuestros espectadores de una parte a la otra de la fotografía, ya sean convergentes o paralelas, diagonales, horizaontales o verticales, nos aportan significado a los elementos, crean sensaciones de distancia y profundidad, en fin, experimentar con ellas es un gusto.

Flujo

Con flujo, me refiero a la manera en que la mirada del espectador explora una fotografía, yendo de una parte a otra. Con el flujo, creas una sensación de movimiento o la ausencia de él. Por lo general lo creas utilizando las línea a veces obvias, otras no tanto, que existen en tu fotografía. Las líneas diagonales son consideradas las que tienen mayor dinamismo, mientras que las horizontales y las verticales se consideran más estáticas. Si logras balancealos elementos estáticos y dinámicos de tu imagen, esta tendrá un sentido de movimiento global y tendrás una imagen extraordinaria.

Dirección

Muy similar al flujo, tiene también la caractarística de crea la ilusión de movimiento. Si en una fotografía hay algo que parece estar en movimiento, definitivamente tiene una dirección hacia la que se está desplazando. Por ejemplo, una persona a punto de atravesar la calle, podemos imaginarla haciendolo un instante después. La imagén de la parte delantera de un automovil, a nuestra mente viene de inmediato la ilusión de ver la parte de atrás.

Repetición

El repetir elementos, como aves, manadas de animales, una copa llena de dulces, etc. Nos dan un sentido de relación entre los sujetos o elemento. Por ejemplo, una parbada de aves, viajando en “V” o alguna otra forma interesante, esto además de la relación, puede agregar líneas y un sentido de dirección. Psicológicamente puede ofrecernos un sentimiento de colaboración, de familia, o amistad.

Colores

Los colores siempre expresarán algo, los dividimos en cálidos y fríos. Los colores calidos son los rojos, naranjas y amarillos. Los colores fríos son los azules, verdes y violetas.

Existen muchos factores psicológicos relacionados los colores. Por ejemplo, los azules se consideran colores que transmiten paz, tranquilidad, mientras que lo rojos son más vida, intensidad. El color es determinante a la hora de componer una imagen, exite mucha literaruta al respecto, un ejercicio que puedes hacer, es analizar tus fotografías favoritas y ver si tienen un patrón de color definido.

Cuando hablamos de colores no debemos de olvidar el contraste tonal.  El cual, se de define, como la diferencia de luminosidad entre las partes más claras y más oscuras de nuestra fotografía.

Grupos de Tres

En la fotografía, existe una percepción especial hacía los números impares, especialmente el número tres.   Es algo díficil o mejor dicho imposible de explicar, pero fácil de sentir o percibir. Ya sea, en alimentos, macros, etc, el número tres suele funcionar perfectamente como centro de interés.

Espacio Negativo

Llamamos espacio negativo a los grandes espacios vacíos en nuestras imágenes, muchas veces son blancos o negros, pero puede ser un cielo enorme carente de nubes o áreas de la fotografía sin sentido, que no aporten a ella incluso le restan.

Sin embargo, el espacio negativo, nos permite transmitir sentimientos adicionales de aislamiento, soledad o tranquilidad en una escena. Es un recurso que no se utiliza frecuentemente, sin embargo, es importante tenerlo en cuenta aunque está en contraposición de Rellenar el Cuadro. Son simplemente dos maneras de componer diferentes que dan mensajes únicos.

Tres planos

El contenido que presentes al frente y atrás de tu sujeto, son de suma importancia. Los colores, las lineas y las texturas son elementos compositivos que aportan mucho a la historia de tu imagen, lo importante aquí es que los elementos que presentes, tanto en el frente como en el fondo, no distraigan la vista de tu espectador del punto de interés.

La herramienta más adecuada para marcar tanto la diferencia de el frente como de el fondo es la profundidad de campo. Gracias a la apertura del diafragma que hayas decidido emplear a la hora de crear tu fotografía, lo cual te permite conseguir mayor o menor nitidez en el fondo.

Enmarcado

Muchas veces al componer una fotografía existen elementos en la escena que te permiten de manera natural, enmarcar tu centro de interés. Algunos de ellos, son muy fáciles de indentificar, ya que tapan, por comleto alguna parte de la foto, estas suelen ser, ventanas, puertas, arcos, puentes, etc.

Algunos más se manifiestan de manera menos clara, simplemente dirigiendo nuestra mirada. Tal es el caso de ramas, señales de tráfico, etc. En resumen, cualquier elemento que ”enmarque” el centro de interés dirigiendo la atención de espectador hacía el elemento deseado.

Curvas en forma de “S”

Estas son un elemento muy utilizado en la fotografía, ya que lo relacionamos con la sensualidad, también te da la sensación de movimiento y ayuda a dirigir la mirada y explorar la imagen.

En la naturaleza y la vida cotodiana podemos encontrar este elemento recurrentemente, el cauce de un río o canal, una carretera, etc.

Peso de las Imágenes

El peso visual es la capacidad que tiene un elemento de atraer la mirada del espectador. Más peso, igal a mayor atracción.

Factores que hacen que algo tenga más peso

Tamaño. Un elemento grande, siempre tendrá más peso que uno pequeño.

Tamaño

Posición. Un elemento en una posición baja tiene más peso que uno en posición alta, aunado a esto un elemento en el lado derecho tiene más peso que uno en el lado izquierdo.

Posición

Distribución. Un elemento aislado tiene más peso que si está dentro de un grupo.

Distribución

Textura. Un elemento con textura, tiene más peso que uno que no la tenga, es decir un elemento liso.

Textura11.51.11

Forma. Lar formas regulares, geométricas, cerradas y/o reconocibles tienen más peso que el resto de las formas.

Forma

Color. Los colores cálido tienen más peso que los fríos, asi también los saturados pesan más que los no saturados, y por último los obscuros más que los claros.

Colores 1

Colores 2

Colores 3

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Forma. Lar formas regulares, geometricas, cerradas y/o reconocibles tienen más peso que el resto de las formas.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Color. Los colores cálido tienen más peso que los fríos, asi también los saturados pesan más que los no saturados, y por último los obscuros más que los claros.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Textura. Un elemento con textura, tiene más peso auq uno que no la tenga, es decir un elemento liso.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Forma. Lar formas regulares, geometricas, cerradas y/o reconocibles tienen más peso que el resto de las formas.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Color. Los colores cálido tienen más peso que los fríos, asi también los saturados pesan más que los no saturados, y por último los obscuros más que los claros.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Recomendaciones para comprar un lente nuevo

 

32mm-f-16-1
32mm f/16
200mm-f3-2-1
200mm f/3.2
100mm-f2-8-macro-1
100mm F/2.8 Macro
24mm-f-5-1
24mm f/5
300mm-f-5-6-1
300mm f/5.6
28mm-f-22-20-seg-1
28mm f/22 20 seg
10mm-f-22-1-13-seg-1
10mm F22 1/13 seg

El año inicia y con él, quizá el proposito de adquirir uno o si es posible, varios lentes nuevos para tu cámara. Cuando uno anda en busca de nuevo equipo fotográfico es claridad a la hora de tomar la decisión. Por ejemplo ¿cuánto gastar? ¿en qué medida está mejorando mi equipo fotográfico? ¿mejorará la calidad de mis imágenes? Etc.

 

  1. Presupuesto

Todos tenemos un presupuesto diferente, y de este, dependerá, los lentes a considerar. Cual sea tu presupuesto mantenlo presente, mientras lees este artículo, quizá veas las cosas desde una perspectiva diferente al terminarlo.

Mi punto de vista es el siguente, tener la menor cantidad de lentes de buena calidad posibles. En pocas palábras, no compres equipo de más. De acuerdo a tu proyecto fotográfico personal, comienza haciendo una lista de los lentes que idealmente te gustaría tener en el mediano y largo plazo y en base a este, el lente que tienes en mente, ¿forma parte integral del plan?

 

  1. Sensor de cuadro completo o APS-C

Algunos de los fabricantes ofrecen ambas opciones en el tamaño del sensor. Lo que en ocasines hace la compra de un lente un poco más complicada.

Idealmente, deberías de decidir esto al comprar tu primera cámara y continuar con el tamaño del sensor que elegiste en el futuro. Esto simplificará tu proceso de compra, reduciendo la confusión.

 

  1. Distancia Focal

Puedes creer que tener un set de lentes todo propósito es coleccionar lentes que abarquen todas las distancias focales posibles. Por ejemplo, al comprar una cámara puede venir con un lente 18-55mm, tu pensamiento inmediato puede ser mi siguiente lente, debe ser un 55-250mm ó 70-300mm y asi sucesivamente, de esta manera, no perderás ninguna distancia focal.

Esto no es del todo cierto, en el siguiente punto te explicaré un más de cómo pensar acerca de lentes.

 

  1. ¿Qué es lo que vas a fotografiar?

Continuando con el ejemplo del lente 18-55mm, quizá podrías considerar las siguiente opciones como segundo lente: Canon 50mm fijo como un lente para retrato (dados los beneficios de una imagen de alta calidad y su apertura), Canon 100mm Macro fijo para tomar flores e insectos, un 500mm para hacer fotografías de vida salvaje y deportes o un 20mm para crear paisajes.

La clave es que la elección de tu lente, debe de ir en estrecha relación con el sujeto. El sujeto siempre en primero. Una vez que sepas lo que quieres fotografías, puedes elegirl el mejor o los mejores lentes para ese trabajo, de alli la distancia focal es el siguiente paso.

En otras palabras, no compres un lente por que crees que lo debes de tener, compralo por que realmente lo necesitas.

 

  1. Calidad del Lente, Resistencia al Agua y Auto Enfoque.

La mayoría de los fabricantes ofrecen lentes de bajo, medio y alto costo. Los lentes económincos, pueden parecer una ganga, comparados con lo de mayor rango, sin embargo su contrucción es de menor calidad, como por ejemplo la calidad del vidrio, la velocidad y el ruido del motor de auto enfoque.

Por el otro lado, los lentes más caros, están mejor construidos, tienen mejores componentes, desde el mismo cuerpo, el vidrio, el motor, e incluso, algunos vienen sellados para soportar.

 

  1. ¿Lente Fijo ó Zoom?

El principal beneficio de un lente zoom en la conveniencia. Si eres un fotografo de boda o quieres tomar fotos de un evento familiares mucho más fácil hacer zoom desde un gran ángular hasta un tele foto cuando lo necesitas que cambier de lente. Si eres un fotógrafo de paisaje, es mucho más sencillo utilizar un zoom gran angular par alograr el encuadre preciso, que cambiar lentes fijos. (o quizá las condiciones de ubicación y del ambianete no lo hacen posible)

Los beneficios de un lente fijo son calidad de imagen y mayor apertura. Compara un 18-55mm cuya apertura máxima es tipicamente f/5.6 con un 50mm fijo que tiene una paretura máxima de 1.2. Esta diferencia de cuatro pasos permite una entrada de luz a tu cámara 16 veces mayor., lo que te permite entre otras cosas tomar fotografías con el fondo borroso asi como crear imágenes en condiciones de poca luz sin tener que subir mucho el ISO. Es po lo anterior que el 50mm fijo es mejor lente que el 18-55mm para hacer retrato (regresando al punto de que la elección de un lente debe de ser hecha en base al sujeto, no a la distancia focal)

Algunos fotógrafos prefieren lentes fijos y otros lentes zoom, reflexionar sobre tus prioridades te ayudará decidir cual es mejor para ti.

Si eres por ejemplo un fotpografo de paisajes quien siempre dispara con aperturas que oscilan entre f/8 y f/16, las aperturas mayores que te ofrecen los lentes fijos pueden ser irrelevantes y un lente zoon es probablemente tu mejor alternativa

 

  1. Peso y Dimensión

Estos dos factores son importantes, ya que los estarás llevando de un lado a otro. Sin embargo, al hablar de tamaño no olvides los filtros. En este rubro puedes ahorarte mucho dinero, comprando lentes más pequeños. Por ejemplo, compara el mismo filtro polarizador para un lente con diametro de 58mm y uno de 77mm. Si eres un fotógrafo de paisaje, puedes ahorarrte miles de pesos.

 

  1. Marca del lente

Puedes ahorar dinero comprando un lente de una marca alternativa como son Tokina, Sigma ó Tamron. En mi opinión, es mejor comprar un lente hecho por el fabricante de tu cámara, siempre que te sea posible. A menos que tengas un motivo especial para comprar un lente de una marca alternativa. Por ejemplo aunque yo soy un usuario Canon, para mi trabajo subacuático me gusta utilizar un lente Tokina 10-17mm, que, en la opinión de varíos fotógrafos subacuáticos que conozco, es uno de los mejores lentes para ets e uso. Lo lentes OEM por sus siglas en inglés (Original Equipment Manufacturer)

 

  1. Estabilización de Imagen

El estabilizador de imagen, en un pequeño motor dentro de el lente, que mueve los elementos de manera que compensa el movimiento que se crea en la cámara a la hora de tomar una fotografía. Sa este movimiento los fabricantes le han llamado de diferenres formas( Nikon VR reductor de vibración, Canon IS Estabilizador de Imagen). Este mecanismo te ayuda a tomar fotografías en condiciones de poca luminosidad, utilizando ISO bajo, o aperturas pequeñas, que de otra forma no serían posibles. Los lentes con estabilizadores de vibración, son un poco más costosos que los que no cuentan con ellos, piensa bien, si lo necesitas o no, antes de pagar dinero extra.

* Algunos fabricante, como Sony o Pentax, tienen su estabilizador de imagen enla cámara no en los lentes.

Espero que estos artículos te ayan ayudado a tomer una mejor decisión para realizar la compra detu siguiente lente.

 

Introducción a la Fotografía de Alimentos Parte 3

 

  1. Reflectores Caseros

 

Una visita a tu papelería más cercana, será sufuciente para complementar tu equipo de iluminación, Un par de pliegos de foam board, de preferencia blanco de un lado y negro del otro, un cutter, funtak de Pritt y un par de porta libros. Y de tu alacena un poco de papel aluminio, es lo que necesitas para crear tus reflectores hechos en casa y como mantenerlos en su lugar.

 

  1. Computadora con capacidad Tethered

 

En mi caso utilizo el EOS capture que viene como parte del sofware de Canon. Lightroom es compatible con algunas cámaras Canon, Nikon y Leica. Capturar tether significa que la imagen pasa directamente de la cámara a la computadora, permitiéndonos esto un mejor control sobre la imagen que estamos creando, en el caso de la fotografía de alimentos, tether es una herramienta muy valiosa ya que en este tipo de fotografía, se requiere de disparar, observar y repetir, y esto es mucho más facil, si tienes la posibilidad de evaluar tus imágenes en una pantalla de computadora en lugar de hacerlo a través de la pantalla de tu cámara.

 

  1. Verificador de Color

 

Una herramienta como Color Checker Passport, MacBeth ó Expodisk es crucial. Un verificador de color es importantísimo, sobre todo, si creas tu toma con luz natural o con la luz disponible en el lugar de la sesión, ya que en muy pocas ocasiones, será igual a los balances de blancos de tu cámara. Y nada se ve tan poco apetecible, como una rebanada de helado de vainilla con tono verde.

 

  1. Luces de Estudio

 

Estas pueden ser muy caras o relativamente baratas, todo dependerá de que tanto trabajo hagas y que tanto te gusta trabajar con equipo de iluminación. Algo que debes de tener en mente, es que existen infinidad de modificadores de luz para cada sistema. Un estudio típico consta dos o tres lámparas y sus modificadores para dirigir la luz, como snoots, rejillas y una caja de luz de relleno, que colocamos exactamente sobre los alimentos o en la parte poseterior. Sin embargo, es totalmente posible crear estupendas fotografías, con luz natural y equipo básico.

 

Todo dependerá de, si quieres hacer una carrera como fotógrafo de alimentos, pues necesitarás más equipo , sin embargo, para un inicio y aprender lo básico, lo que te presenté en este artículo será suficiente.

Introducción a la Fotografía de Alimentos Parte 2

 

Mejoralo.

Una manera de mejorar la apariencia de algunos alimentos es darles una pasada con una brocha con aceite vegeta.

Baja la cámara.

Un error comun es tomar la fotografía directamente desde arriba, aunque esto puede funcionar en ocasiones. En la mayoría de los casos obtendrás una mejor toma haciéndola cercana al nivel del plato o ligeramente arriba.

Macro.

Enfocandote en solamente una parte del platillo puede ser una manera efectiva de destacar diferentes elementos de él.

Vapor.

Un poco de vapor, saliendo de tu comida puede darle esa sensación de “recien hecho” una sensasión que a muchos fotógrafos les agrada. Esto no es facil de lograr de manera natural. Una forma puede ser calentando torundas de algodón remojadas en agua y calentarlas en el microondas, Colocar un incienso o cerillos recien apagados.

Equipo Básico para Fotografiar Alimentos

Muchos de los fotógrafos que conozco, son fanáticos del equipo, les encanta hablar de equipo, tener lo último en equipo, hablar de él. Yo no soy mucho de ello, soy más de mantener las cosas simples en mi trabajo, asi que les presento una lista de equipo para iniciar de manera sencilla.

  1. Cualquier cámara digital

La cantidad de megapixeles, si de sensor grande o recortado, no es prioritario. Lo importante, es que te sientas a gusto con tu cámara. Pentax, Sony, Fuji, Olymous, fabrican muy buenas cámaras, sin embargo, Canon y Nokin, son las que tienen más usuarios asi como una amplia gama de accesorios, lo cual te puede ser importante algún día. Por otra parte si algún día quieres comprar una mejor cámara estas dos márcas tienen un mejor valor de reventa.

  1. Lente Macro

 Los lentes macro de marca como Canon y Nikon, son definitivamente la mejor opción, aunque son más caros, existen otras alternativas como lentes de marcas con Sigma y Tamron, tambien tenemos los filrtos macro que se atornillan al frente de un lente común, estos presentan por lo general deficiencia cuando hablamos de nitidez y profundidad de campo. Mi lente favorito para realizar macros de comida es el Canon 100mm f/2.8 Macro.

 

  1. Un Buen Tripie

En el entendido de que la fotografía de alimentos es un proceso en el cual vamos construyendo una mimagen y que tenemos que realizar varios disparos de prueba, un tripie robusto es indispensable. Uno de las especificaiones que debes de tener en cuenta es la altura mínima de tu tripie, la altura común de una mesa de restaurante es de aproximadamente 75 cm. Mi tripié favorito en un Gitzo Serie 2, con Cabeza Acratech Ultimate, este me pemite la movilidad necesaria con un tripie ligero y estable.