Retratos con Luz Natural

Crear imágenes con luz natural es una de mis formas favoritas, de hacer fotografía y en el caso de retratos logramos un sentimiento que las fotografías de estudio no transmiten. Además, si lo comparas con hacer retratos en estudio, es mucho más fácil, ya que no tienes que aprender las técnicas de iluminación requeridas. Es más barato, ya que no necesitarás, ni estrobos, ni cajas de luz, ni modificadores, etc. En resumen, crear retratos en estudio, es más complicado que hacerlos con luz natural.

Hacer retratos con luz natural es un gran inicio como retratista. Te permitirá, trabajar en tu composición, tus destrezas de comunicación con tu sujeto y te ayudará a desarrollar la confianza en ti mismo. Y después, decidirás si quieres o no invertir en equipo de estudio.

Parámetros de la cámara

Existen algunos trucos sencillos que te ayudarán a crear excelentes retratos con luz natural. Como es normal, iniciaremos con los parámetros de la cámara.

  1. Modo Manual

En un mundo ideal, lo que debería de suceder, es tener control total sobre los parámetros de tu equipo, para esto lo mejor es tirar en modo manual.

  1. Velocidad

Necesitarás una velocidad mínima de obturación de 1/100 de un segundo (o más rápida) Esto es muy importante, ya que te ayudará a no tener imágenes borrosas, ya que tu sujeto, estará en movimiento gran parte del tiempo.

  1. Apertura

Para lograr un fondo suave y borroso, necesitas utilizar la apertura más grande que puedas, f/4 funciona muy, sin embargo f/1.8 sería ideal, aunque si quieres una apertura mayor el precio de los lentes se dispara significativamente.

Si no posees este tipo de lente, aun puedes conseguir buenos resultados aunque para ello necesitarás un espacio entre el sujeto y el fondo. Tener un fondo fuera de foco, ayuda a atraer la atención de tu audiencia hacia tu sujeto, evitando distracciones innecesarias. Si en cambio, también quieres mostrar el fondo detrás de tu modelo, utiliza aperturas más pequeñas.

¿Qué lente utilizar?

En el caso de que utilices un telefoto, una apertura grande no es necesaria, ya que automáticamente, el lente te lo proporciona. Los lentes largos son muy buenos ya que comprimen la imagen dándote excelentes resultados. Evita los gran angulares, ya que distorsionan la cara del sujeto y amplifican facciones tales como nariz y frente. Trata de utilizar lentes con un rango focal mínimo, como puede ser un 50mm en cámaras de sensor completo o un 35mm en cámaras con sensor APS

ISO

Selecciona el ISO más bajo que puedas, sin olvidar que la velocidad que necesitas es 1/100 de segundo o mayor. Utilizando el exposímetro de tu cámara puedes conseguir velocidades más altas ajustando el ISO , si las condiciones de luz, son bajas. Recordando que estarás utilizando una apertura grande, lo cual no debe ser ningún problema.

Atajo – Modo Prioridad de Apertura

Un tip que te puedo dar es utilizar Prioridad de Apertura. Durante una sesión fotográfica al aire libre, la luz cambiará frecuentemente, y necesitarás hacer los ajustes necesarios, ya sea el ISO o la velocidad (en mi caso no me gusta cambiar la apertura)

Cuando haces una sesión de retrato, fácilmente entrarás en ese estado de inmersión, en el cual trabajar en modo manual, donde tienes que ajustar los parámetros constantemente. Las probabilidades de perder buenas fotografías, debido a que olvidaste cambiar los parámetros es muy alta. Es frustrante cuando tienes la pose perfecta y te das cuenta que la imagen esta sobre expuesta o sub expuesta debido a que tenias uno o más parámetros mal.

Así que si eres de esas personas que olvidan o tienen problemas reajustando parámetros en cada toma, te recomiendo utilizar Prioridad de Apertura, elevando el ISO a 400, forzando así a tu cámara a utilizar velocidades altas. Solamente te recomiendo no utilizar ISO 100 con Prioridad de Apertura en condiciones de baja luz, ya que terminarás con imágenes borrosas.

Lugares Recomendados

1 – Cerca de una ventana

Por extraño que parezca, cuando analizas la luz en una habitación, ves lo mismo, ya sea al lado de la

ventana que en el lado opuesto, sin embargo, no es así, nuestro cerebro lo interpreta de manera que parece que en todo el espacio la luz se comporta de manera uniforme. Realmente entre más alejado estés de la ventana, menos luz existe, tus ojos no lo perciben así, pero tu cámara si.

La buena noticia, es que puedes utilizar esta luz de muchas maneras, luz de lado, de frente, puedes utilizar o no un reflector, en fin, tu decidirás. Algo muy importante, es que si los rayos de luz golpean directamente en la ventana, tendrás el problema de que la luz será muy dura, la solución es simple. Coloca una tela blanca lisa y esto suavizará la luz.

2 – Terraza Techada

Este es un buen sitio para realizar retratos en esos días soleados, cuando la luz es muy fuerte y genera sombras muy duras, que quizá no quieres, así que el realizar tus retratos bajo el techo de una terraza es una excelente idea.

3 – Sombrilla

Este es un buen tip para la playa o un día soleado, en esos que tomas la fotografía y la dureza de la luz, simplemente no le hace justicia a tu fotografía. Para esta situación es recomendable situar a tu modelo, bajo una sombrilla, ya sea en la playa, el campo o la ciudad la sombrilla funcionará como un difusor y podrás ver los diferentes resultados en tus imágenes.

Un paraguas, además de ayudarte a iluminar suavizando la luz, también te ayuda a proteger a tu modelo del sol y la lluvia. Es muy importante tener en cuenta, que el color del paraguas afectara los colores de tu imagen, es recomendable utilizar un paraguas de color neutro, blanco y negro, son muy buenas opciones.

4 – Bajo un puente, muelle o paso a desnivel

Estos son lugares que te ofrecen excelentes condiciones lumínicas y traen consigo, fondos muy interesantes. Y también puedes trabajar mientas esta lloviendo, hace mucho viento o un sol muy fuerte.

Puedes jugar con los elementos que te proporcionan estas locaciones, para crear composiciones muy interesantes, así como utilizar la dirección de la luz a tu favor.

5 – La sombra de un árbol

Si no eres una persona de playa, y prefieres o vives cerca de un bosque o un parque arbolado.   La sombra de los árboles es un excelente recurso para tener luz suave y difusa. Pide a tu modelo que se coloque bajo la sombra de un árbol y observa la luz en su rostro y déjate llevar, te aseguro que obtendrás fotografías excelentes.

6 – Cualquier día al amanecer o al atardecer.

Durante el día existen dos momentos, en los que no importa donde te encuentres, la luz es perfecta. Estos son el amanecer y el atardecer, cuando el sol está apareciendo u ocultándose en el horizonte. A estas horas la luz es muy agradable y apropiada para realizar retratos. Quizá ya sepas en que lugar crear tus imágenes, ahora es solo esperar el momento adecuado. Para mi el amanecer es mi favorito, pero implica un mayor esfuerzo, ya que para la mayoría de la gente la levantada y organizar sus mañanas es complicado.

7 – Un día Nublado.

Este es un excelente recurso, pero al menos en mi ciudad es un recurso limitado y hay que esperar que suceda, y solo en algunos meses del año. En un día nublado, el lugar y la hora no tienen límite, puedes hacer foto a cualquier hora y en cualquier parte, ya que las nubes actúan como un enorme difusor, suavizando las sombras.

 

Anuncios

Fotografía de Flores

La primavera ha iniciado y con ella la época en que las flores comienzan a brotar, en algunos jardines. En esta ocasión, les escribo algunas recomendaciones para fotografías, plantas, flores y hongos. Algunos de estas recomendaciones son de técnicas básicas que algunos de nosotros conocemos, sin embargo no está de más dar un repaso.

  1. Lente recomendado

El lente ideal para crear fotografías de flores es un lente macro, el cual nos da la oportunidad de enfocar a muy poca distancia y de esta manera llenar el cuadro con la planta en cuestion o obtener resultados interesantes y que solamente se pueden realizar con este tipo de lente o con los adaptadores correspondientes como tubos de expansión o filtro de acercamiento por ejemplo el Canon 500D Close Up Lens, ambos nos ayudan a crear un efecto macro, pero nada como un lente especializado.

Algunas de las características de estos lentes es la profundidad de campo que es bastante pequeña normalmente hasta f/2.8 y en ocasiones hasta f/1.8, logrando que por ejemplo un pétalo de la flor esté en primer plano perfectamente enfocado y el siguiente ya esté fuera de foco. Es altamente recomendado, utilizar tripie y disparador remoto. Ya que un mínimo de movimiento, puede estropear la fotografía.

Si no cuentas con un lente macro o algunos de los accesorios mencionados anteriormente, es también posible realizar tus fotografías de flores y hongos con un lente zoom, por dos razones podemos llenar el cuadro con el sujeto (flor) y también tienes la capacidad de tener el fondo fuera de foco, los resultados no serán iguales, pero de cualquier forma puedes crear un estilo propio.

  1. Ángulos

La primera recomendación es no hacer tus fotografías desde arriba, ya que asi es como las vemos normalmente, haciendo tus imágenes poco atractivas. Por lo anterior, en caso de estar en el campo o en tu jardín, te recomiendo, agacharte o acostarte en el piso, colocando la cámara sobre un tripie pequeño, de esta manera tu punto de vista será diferente al que estamos acostumbrados, dando mayor interes a tus fotografías.

  1. La escena

No hay nada escrito en este sentido, una flor, algunas flores ó muchas flores. En ocasiones en el campo te puedes encontrar en un campo lleno de flores de la misma especie, lavanda, tajonal, girasoles, etc. Si capturas este tipo de escenas con el ángulo adecuado, perecerá infinito.

No olvides que aun en este caso o en el individual, es una buena idea agregar y segundo plano, fuera de foco, para darle más peso al sujeto principal donde este sujeto debe de estar totalmente enfocado.

  1. Fondo Blanco o Negro

En los anteriores párrafos he platicado la importancia del fondo como un elemento de suma importancia en la composición de tu fotografía. Sin embargo, una buena idea cuando tomas flores en interior es colocarlas frente a un fondo blanco o negro. Si utilizas un fono blanco tus fotos darán la impresión de póster y si es negro, lograrás un dramatismo adicional, para el fondo puedes utilizar una cartulina o foam board.

  1. Iluminación en interior

Las flores se iluminan perfectamente con solo la luz natural que atraviesa por una ventana, de preferencia que vea hacia el norte, trata de evitar la luz directa del sol, busca que la luz sea suave. Para rellemar las sombras es reconemdable utilizar un reflector, ya sea, blanco, plateado o dorado, según sea tu intención.

  1. El viento

Si estás creando tus fotografías en exterior, la visita inesperada del viento será inevitable en algún punto del día y esto se puede ser frustrante.

Existen varias soluciones para contra restar la presencia del viento. La más socorrida es tapar el viento con el cuerpo o la mano, sin embargo una recomendación cuando esto sea posible es programar la velocidad a un nivel superior a 1/250 de segundo, esto ayudará a congelar el movimiento.

Una herramienta que puedes utilizar el la llamada plamp, es un brazo de plástico con pinzas en ambos lados, en un lado para el tripie u otro objeto sólido y el el otro una pinza más suave para sostener el tallo de la flor.

Hay quienes con acrílico han creado una especie de caja protectora, que consta de tres lados y una tapa, dejando el frente de la caja abierta para la cámara

  1. Momentos

En un día soleado, es recomendable crear tus imágenes temprano por la mañana, o por la tarde al atardecer. Colocados a contraluz, con la flor tapando el sol, los rayos de sol iluminarán los pétalos .

En un día nublado, con el cielo totalmente cerrado las sombras son más suaves a consecuencia de que el sol está detrás de las nubes.

Después de la lluvia, este es de mis favoritos, ya que el cielo sigue nublado y las flores tendrán gotas en sus tallos y pétalos. En este momento, las flores presentarán los colores más vivos que nunca.

Crea tu propia lluvia o rocío, si la temporada de lluvia está lejos o simplemente quieres hacer estas fotografías, llena de agua una botella atomizadora y dispárala sobre las flores, hasta tener la cantidad y tamaño de las gotas que quieres.

 

Einar Holmen

Einar Holmen (raniE nemloH), “Swexicano” de nacimiento (mamá mexicana, papá sueco) originario de todos lados aunque los lugares donde más tiempo he vivido son Australia, CDMX, MTY y QROO. Nacido en 1982, Internacionalista, Economista y Fotógrafo.

Primero, es necesario aclarar que no soy tan bueno con las letras como con las imágenes por lo tanto tendrán que ayudarme poniendo un poco de ese toque de expresión que trato de plasmar en una fotografía.

La fotografía se ha convertido en una gran pasión para mi, siempre me ha llamado la atención y desde pequeño estuve rodeado de cámaras (mi papá siempre cargaba una cámara). Viajando constantemente y paseando con él y su cámara, me llevo a secuestrarla constantemente tratando de copiar lo que el hacía, en un viaje a Italia mi mamá me regaló mi primera cámara profesional, una Minolta, tendría unos 12 años, desde entonces no he parado.

La fotografía me ha llevado a rincones extraordinarios del mundo, exigirme física y mentalmente con tal de obtener una fotografía que logre llevar a la persona que la ve, a ese lugar y sentir la grandeza y belleza de la naturaleza. Tengo dos extremos, por un lado la tranquilidad y la paciencia de un paisaje y la aventura de llegar a cada lugar, por el otro esta el descontrol de los conciertos, la naturaleza y energía de las personas, buscar ángulos, gestos y la luz precisa a pesar de desconocer lo que pueda suceder valiéndome solo de los parámetros de mi cámara, en este apartado me es muy interesante poder registrar el arte de alguien más y transmitirlo con el estilo de mi propio arte.

Lo impredecible de la naturaleza y de los conciertos, la naturalidad de las personas y la espontaneidad de los animales es lo que me apasiona de la fotografía, poder plasmar ese momento específico y compartirlo, logrando contar una historia e identificando un sentimiento.

Soy fotógrafo de paisajes, naturaleza, conciertos, personas, en realidad no me gusta enfrascarme en una etiqueta. Pero, si me preguntas que me gusta más, es la naturaleza y el sentimiento; me gusta ver la simplicidad y la belleza dentro de lo cotidiano, representarlo y convertirlo en algo artístico.

Aprendí fotografía análoga y esto marco mi estilo actual, b&n, exposiciones largas, llevar la cámara al limite, experimentar nuevas formas de lograr representar lo que busco, todos los días estoy buscando mi foto perfecta ya sea con mi celular o cualquier cámara análoga o digital.

La fotografía para mi, es una constante, un estilo vida, donde quiera que voy estoy buscando la simetría, el encuadre y el enfoque perfecto para expresarlo en una imagen y tratar de superponerlo también fuera de la fotografía.

Instagram: @ranie_nemloh

Mail: ranie.nemloh@gmail.com
Cel. (998) 239-8945

El Horizonte en tus Fotografías de Paisajes

Al decir componer una imagen, nos referimos a la capacidad de ordenar los elementos dentro del cuadro, para facilitar la recepción de nuestra intensión. Decidir donde colocarás el horizonte en tus fotografías de paisaje es importante para la composición de tu imagen. La colocación de la línea del horizonte en una misma escena, puede transmitir ideas y sensaciones muy diferentes de una manera atractiva.

En muchas ocasiones, cuando creas fotografías de paisaje, te encuentras con que la línea del horizonte juega un papel fundamental, especialmente en la fotografía de paisaje del océano, donde este se convierte en un elemento de gran peso en tu imagen, y su ubicación es crucial.

La Regla de los Tercios

Esta nos dice que dentro de la escena, existen cuatro puntos que son más atractivos a la vista que el resto del cuadro, por lo cual se recomienda, situar el o los puntos de interés en estos cuatro puntos.

En la fotografía de paisaje, por lo general, retiramos las dos lineas verticales (cortas), dividiendo la imagen en tres segmentos iguales a lo largo del sensor. Si no logras imaginar o visualizar la división, Muchas cámaras ofrecen la visualización de las líneas de la regla de tracios, a través del visor o en la pantalla posterior.

Horizonte Medio

Cuando colocas el horizonte hacia arriba o hacia abajo, le das a tu fotografía mayor dinamismo, es por esto que procuramos no colocarlo en el centro, a menos que sus elementos, generen una simetría, lo que sucede regularmente cuando utilizamos agua en nuestra composición.

Horizonte Alto o Bajo

Lo elementos en la parte inferior de nuestra fotografía nos proporcionan una sensación de estabilidad. Este es un buen motivo para colocar el horizonte en la pare baja de nuestra imagen.

Sin embargo, en la mayoría de los casos determinamos la ubicación del horizonte en función de lo interesante o atractivo que es el cielo, el suelo o el sujeto o punto de interés.

Por ejemplo, al crear fotografías de amaneceres o atardeceres o un cielo lleno de nubes, es muy común, que el cielo tenga más espacio en tu fotografía que la parte inferior o el suelo.

Otro de los efectos cuando mantenemos un elemento de interés claramente identificable en la foto y el horizonte se encuentra bajo, es el de reforzar la sensación de aislamiento.

Por el contrario, si el cielo no ofrece un interés especial o quieres dar mayor protagonismo a lo que nos encontramos en primer plano, probablemente optes por situar la línea del horizonte en la parte superior.

Al situar la línea del horizonte en la parte alta de la fotografía tienes la capacidad de acentuar los detalles del primer plano y aumentar la sensación de distancia.

Cuanta más importancia quieras darle al primer plano y menos información contenga el cielo, más alta puedes mantener la línea del horizonte.

Mantén el Horizonte Recto

A menos que estés realizando una composición muy creativa utilizando el horizonte en cierto ángulo, evita que el horizonte esté inclinado. Es una situación común, que se produce sin que te des cuenta cuando estás creando una fotografía, pero se puede arreglar de forma muy sencilla en tu post procesamiento Lightroom, Camera RAW, Photoshop o el programa que utilices.

Julieta Belmont

 

Les presento a mi amiga Julieta quien es fotógrafa de Bodas en Cancún y la Riviera Maya principalmente.

Desde que estaba en la secundaria me enamoré totalmente de la fotografía. Estudié Medios Masivos de Comunicación en la Universidad Autónoma de Aguascalientes y ahí fué cuando dije que yo quería ser fotógrafa, todavía no sabía de que pero ya la decisión ya estaba tomada.

Terminando la carrera me fui a estudiar fotografía un año a los Estados Unidos. Regresé a México, llegué a Cancún, y  meses después llegó el que hoy en día es mi marido. De eso ya hace 9 años

Después de un año nos casamos y nos fuimos de luna de miel. Fué una luna de miel un poco larga 6 meses. Regresamos de luna de miel a buscar trabajo.

Yo no quería trabajar en nada que no tuviera que ver con la fotografía. Mi marido conoce a un amigo que su mamá es organizadora de bodas (Denise Courtney) me da una entrevista. En mi vida había tomado una boda, entonces le llevé mis fotos de paisaje y las pocas sesiones que tenía.  Denise ve algo en mi y me presenta con Samuel Luna.

Samuel Luna me invita a 5 bodas. A la quinta boda va a dejarme a la casa y me dice mi Julie ¡Ya estás lista!. Ya se imaginarán mi cara de emoción.

De esto hace ya 8 años . En 8 años he construido Belmont Photography.  He ganado la confianza de mis clientes, empecé con una cámara y un lente, hoy tengo 3 cámaras y más de 4 lentes entre otros muchos  gadgets

Amo mi trabajo, estoy más que enamorada de lo que hago. Siento adrenalina cuando estoy tomando una boda. Me apasiona capturar momentos especiales para los novios. Estoy convencida de que si hago bien mi trabajo, me recordarán para toda su vida. En verdad disfruto dirigir a las parejas y reirme con ellas. Cuando eres fotógrafo de bodas, tienes que tener las emociones a flor de piel, tienes que poner atención a lo que están diciendo para poder captar las emociones. Además, cada vez que voy a una boda recuerdo vividamente la mía, lo cual considero un plus.

Cuando tengo una cámara en mis manos, me siento invensible, la mujer maravilla, todos los que nos dedicamos a la fotografía de algún modo tenemos un super poder, el de congelar en una imagén la alegría y el amor de una boda, la mirada llena de recuerdos de los abuelos, lo que dicen las manos,  los detalles que con tanto cariño han preparado los novios, somos parte importante de ese gran día, por que al final lo único que nos ayuda a recordar y a revivir ese gran día son las fotos y el video. Teniendo eso en cuenta doy el 101%, por que sé que el día de mañana la pareja lo va a valorar muchísimo.

Todos nos enfrentamos a retos todos los días y van variando dependiendo de la edad , a lo que nos queramos dedicar, la familia. Mi reto de todos los días es con mi mano y pierna derecha  Tengo Paralisis Cerebral esto significa que no puedo mover bien la parte derecha de mi cuerpo.

Actualmente mi esposo y yo nos estamos preparando para la Aventura de nuestras vidas,  nos vamos de Alaska a Argentina a tomar fotos de paisajes y hacer sesiones por toda América. Conociendo la cultura y las historias de los demás.

Me pueden encontrar en

Facebook Julieta Belmont / The Overland Diaries

Instagram: belmont.photography

Cel (998) 144 63 63

www.belmontphotography.com

“Las Doñas” Doña Martha y Don José Luis

 

Nombrada asi, en agradecimiento a mis padres, es hasta hoy, la pieza más ambiciosa de mi carrera como artista visual. Forma parte de mi reciente colección “Las Doñas” colección representa el incio en la conversión de mis fotografías en arte-objeto, integrando elementos tridimensionales a mis imágenes.

 

Para la creación de esta puerta recorrí 1,880 km, lo que se traduce en 21.49 horas de carretera, dos “no” y finalmente un “si” de la dueña del predio en que la localicé, quien amablemente accedió a venderme las argollas y el candado original de su puerta.

 

La imagen de Doña Martha (la puerta), está compuesta por nueve fotografías en tres secciones, al tomarlas utilicé la técnica HDR o braqueteado, tres exposiciones con un paso de diferencia, con el fin de poder captar las texturas de la madera de la puerta, posteriormente en mi taller, las uní en Photoshop en el proceso de panorama, obteniendo finalmente una imagen de 203 cm de altura por 108 cm de ancho. Lo anterior la convierte la impresión en Canvas Crystalline (Satinado) más grande que haya impreso en Arte-Print hasta hoy. Seleccioné este tipo de canvas debido a que tiene certificación por 100 años antes de comenzar a perder color, sustentando la clasificación de calidad museográgica.

 

Al igual que las demás piezas de esta coleción, es una obra única, ya que los elementos tridimensionales de las puertas, pertenecíeron originalmente a cada puerta.

 

Por lo general, mis series son de 16 y 4, lo que hace a “Las Doñas” la colección más exclusiva que haya creado hasta ahora.

 

Don José Luis, es también una pieza muy peculiar, es una clásica bicicleta Windsor, reconstruida fabricada con piezas de seis bicicletas, fue en ensablada en el taller del mecánico de bicicletas conocido como “Azulito”.

 

¿Por qué una bicicleta? Un día que estaba explorando, en búsqueda de puertas, entre otras tantas, tomé unas serie de fotografías de esta puerta, al regresar y analizarlas en mi computadora, en algunas de las imágenes, aparecía gran parte de la llanta trasera de una bicicleta, entonces, me obsesioné con la idea de tener una bicicleta en mi obra y la manera en la que logré materializar esa idea, fue con una bicicleta completa frente a la puerta.

 

Como muchos saben, el enmarcado para mi, es de vital importancia, ya que el marco puede realzar o minimizar el impacto visual de una obra.   Para esta parte tan importante, desde hace un par de años para este tipo de impresiones, vengo trabajando con el maestro Liborio Cortés, en la creación de mis marcos y es él quien hace que mis fotografías luzcan increíbles. Para Doña Martha decidimos construir el marco en tipo caja veneciana, con polines de construcción, que es el material que enmarca la puerta origina, así que me dí a la tarea de conseguir 3 polines perfectamente imperfectos, que lograran el aspecto y el sentimiento de buscaba, una vez ya con ellos en mi poder, se los lleve al maestro Liborio para que les de el tratamiento que considere pertinente.

 

Tips para Mejorar tu Fotografía de Paisaje

 

La fotografía de paisaje es uno de los generos más populares entre los fotógrafos amateurs, muchos fotógrafos profesionales comenzaron hacíendolo como un pasatiempo. Sin embargo, hacer fotografía de paisaje, es mucho más que solo salir a un lugar que te gusta mucho, y hacer clic a la cámara.

En ocasiones ¿te ha sucedido que sales a crear fotografías de paisajes, llegas a tu casa las bajas en tu computadora y no salieron como lo esperabas? A continuación te daré unos tips que te ayudarán a mejorar tus fotografías de paisaje.

 

1 – Estudia la Escena

Algo común al inicio en la gente que inicia, es ir a un sitio, tomar una o dos fotots y listo. Si observas a una persona más experimentada, tomará muchas más fotografías, lo verás rondando por el área analizando la escena y que más puede hacer con ella.

Busca ángulos diferentes, asi como alturas diferentes, íncate, acuestate en el piso o subete a una piedra. Utilizando equipo digital, puedes tomar infinidad de imágenes a un costo muy bajo, así que, trabaja la escena y observa que más puedes obtener de ella.

 

2- Líneas y Patrones

Esto es algo que aprendemos desde el principio, “encuentra la línea principal” esa que llevará al espectador a recorrer tu fotografía. Cables, caminos, cualquier cosa parecida a una línea, que comience en un extremo de tu imagen y te lleve hacia adentro de ella. Es una invitación a observar tu fotografía.

Un patrón, puede ser una gran herramienta para llamar la atención. Si llegas a ver un patrón en algún sitio y haces una fotografía, es muy propable que tu audiencia, también lo encuentre interesante. Los patrones están en todas partes, solo es cuestión de poner atención, en la arqtutectura, en el piso, en el tronco de un árbol, en fin, las posibilidades de encontrarlos son infinitas.

 

3- Hora del día

Como lo hemos platicado en ocasiones anteriores, la hora del día es muy importante. Asi como en muchas partes del mundo también la época del año es importante.

Aquí en el sureste mexicano, al medio día la luz del sol es implacable, y nos dá sombras muy marcadas y los colores pierden su riqueza.

Por lo tanto, es importante pensar donde quieres crear tus imágenes, y que hora del día es la mejor. La mayoría de la gente prefiere temprano por la mañana, la luz es excelente, hay poco o nada de gente, y es una excelente manera de comenzar el día.

En algunas partes, tus paisajes serán mejores al amanecer, ya que el sol se mete en el horizonte en una zona poco atractiva o no de tu interés. O puede ser todo lo contrario. Por ejemplo en la Riviera Maya, los amaneceres son extraordinario, todo lo contrario a la costa del pacífico, donde los atardecer pueden ser increíble.

 

4 – Profundidad de Campo

Cuando hablamos de que es lo que hace una buena fotografía de paisaje, una de las técnicas que necesitas dominar, es la profundidad de campo. En la fotografía de paisaje, a menos que tu creatividad te lo demande, es importante que toda la imagen este en foco. Para lo anterior es necesario trabajar aperturas entre f/16 y f/22, para lograr tener en foco todos los elementos de tu composición. Como comentario al margen, al estar utilizando una apertura reducida será importante utilizar un trpie, debido a que la cantidad de luz que está llegando a tu sensor es muy poca y necesitarás tiempos más largos.

5 – La Regla de los Tercios

Esta regla, es la más conocida y utilizada al hablar de composición. Si estás iniciando en la fotografía de paisaje, intenta dividir tu imagen en tercios imaginarios, especialmente de forma horizontal, aunque en ocasiones, será necesario que tambien lo hagas de manera vertical, para trabajar con algunos elementos verticales.

 

6 – Agua

El agua es uno de los elementos que más beneficia a una fotografía de paisaje. Puede ser desde el punto de interés hasta ayudarte a crear efectos visuales únicos, sea cual sea su estado. Si trabajar con agua, notarás que la hora siguiente al amanecer y la última hora antes del atardecer, los cuerpos de agua como lagos, esteros y lagunas, puedes utilizarlos para crear, reflexiones del paisaje que los rodea, ya sea una montaña, el manglar o un lirio solitario.

 

7 – Comienza con una Visión

Hay mucho que decir al hablar de salir a tomar fotos, solo por el gusto de hacerlo.  Para mi, en la fotografía de paisaje, pocas veces esto da un resultado satisfactorio.  Si realmente quieres capturar imágenes que capturen la atención de tu audiencia, necesitas comenzar con un plan, con la visión de cómo quieres que sea la imagen final. Pregúntate ¿qué es lo que quieres capturar? ¿incluye movimiento? Como por ejemplo el agua de un río ¿Qué emoción quieres transmitirle a tu audiencia?. Planea tu fotografía. Visualiza que quieres capturar y como se lo quieres mostrar a los demás. Eso si, preparate para visitar tu locación varias veces, para asi determinar la hora, el ángulo, el clima e incluso la estación del año y analizar como se comportan tus elementos en las diferentes condiciones de luz.

Sergio Reza

Sergio Reza  (SR Projekt Photo)

Muchas veces un hobbie se inicia como un pasatiempo con el objetivo de tener experiencias lúdicas, agradables momentos para salir del fuerte stress del trabajo profesional, pero posteriormente se transforma en una actividad alterna llena de experiencias, de conocimientos pero sobre todo de muchas satisfacciones.

Siempre la fotografía ha sido una constante en su vida desde sus primeros años, quien aprovechaba los momentos familiares o los eventos automovilísticos para dar esos primeros pasos autodidactas de atrapar instantes en el tiempo. Algunas clases en la preparatoria trabajando en el cuarto oscuro, el manejo de los químicos para la impresión, la adquisición de una cámara análoga prácticamente todo terreno Pentax K-100, mucha práctica y el encuentro con los clásicos fotógrafos en los muy escasos libros disponibles dieron formación a una pasión.

Originario del antiguo Distrito Federal, el camino profesional en la áreas técnicas de la ingeniería dentro de las industrias farmacéutica y posteriormente aeronáutica le permitió disfrutar del norte del país y desde hace 7 años del maravilloso paraíso del Caribe Mexicano donde esa pasión por la fotografía encontró un perfecto lugar para consolidar imágenes.

Unido a la otra pasión que es el automovilismo, algunas de las fotografías de eventos internacionales han sido expuestas en medios como GP Moments, Mundomotor.mx, y fue el fotógrafo del libro editado en el 2015 llamado “Los 100 Momentos de la Historia de la Formula 1” donde se exponen 115 obras pictóricas de Cesar Galindo.

También esa actividad lúdica se transformó en coincidir con fotógrafos locales para seguir aprendiendo y poder realizar paseos y caminatas. Por la coincidencia con gente afín se pudo encausar a la organización de una EXPO en el Hotel In Fashion Boutique en Playa del Carmen en el mes de marzo 2016. “Visiones de la Naturaleza, Sureste Mexicano” la cual fue una muestra colectiva de doce fotógrafos bajo el nombre de Croissant Foto Group donde se dio una mirada a la belleza del sureste. Esta misma exposición encontró otra sede en la Casa de la Cultura en Cancun en el mes de junio 2016 la cual fue reseñada en los medios locales.

En el mes de Marzo 2017 participó con 6 obras fotográficas en el Concurso de Pintura y Fotografía “El Automóvil” dentro del marco de la Gran Concurso Internacional de Elegancia en su versión XXXI en Huixquiluan, Edo de México. En competencia con 70 diferentes obras obtuvo el primer lugar por decisión unánime llevándose un premio en efectivo. La fotografía ganadora es una imagen en Blanco y negro en alto contraste de un Porsche 919 saliendo de la curva Tettre Rouge en las 24 horas de Le Mans 2015.

Actualmente en conjunto con el Grupo Foto-Grafico se está preparando una exposición de 30 obras en el sitio más concurrido de la península de Yucatán. El nombre de la Expo es “Estampas del Sureste” una muestra de las bellezas naturales de la península: Flora, Fauna, Paisaje, Gente, Arquitectura la cual se inaugurará en julio 2017.

“La búsqueda incesante del perfecto instante que quedará marcado más allá de la memoria”

Su trabajo puede ser visto en Instagram: SR.Projekt.Photo

Reza3
El equipo mexicano de Ricardo Gonzalez se llevó en triunfo en las últimas vueltas en la categoría de LMP2, la euforia en las tribunas era muy grande. El festejo inicia en la última vuelta. Autódromo Hermanos Rodriguez @ Agosto 2016 19 mm, f/4 a 1/400 seg en ISO 400
Reza2
En las 6 horas de México 2016, dentro del Campeonato Mundial de Resistencia compitieron 4 mexicanos, uno de ellos es Luis Miguel Diaz en un auto Gibson. Esta foto fue tomada a baja velocidad de la cámara para mostrar solo una parte de la imagen nítida y todo alrededor difuso dando una sensación adicional de velocidad. Muy difícil por el paso del auto! Autódromo Hermanos Rodriguez @ Agosto 2016 29 mm, f/16 a 1/40 seg en ISO 100
Reza1
Esta foto la tomé en el atardecer de las ESSES, un lugar tradicional del circuito de Le Mans durante las 24 horas del 2015. La atmosfera no ha cambiado en 50 años, aunque la seguridad de la pista si se ha incrementado. La diferencia de las velocidades en los autos hace difícil tomar una buena foto del lugar. Le Mans, Francia @ Junio 2015 300 mm, f/7.1 a 1/2500 seg en ISO 250
Reza4
La premiación del primer lugar al equipo del mexicano Ricardo Gonzalez acompañado de sus coequiperos Bruno Senna y Filipe Alburquerque. Felicidad total en la cara de todos. Autódromo Hermanos Rodriguez @ Agosto 2016 112 mm, f/5.6 a 1/25 seg en ISO 1250
Reza5
Una toma de larga exposición en el amanecer en el Puerto pesquero de San Felipe en la península de Yucatán. La calma del lugar es contagiosa, atmosfera Zen!! San Felipe, Yucatán @ Febrero 2017 10 mm, f/22 a 30 seg en ISO 100
Reza6
Otra foto de larga exposición en el Muelle de Puerto Morelos, antes de iniciar las altas actividades de los turistas y pescadores. Puerto Morelos, Quintana Roo @ Abril 2017 50 mm, f/11 a 20 seg en ISO 100

 

Composición Fotográfica

 

¿Cuál es la diferencia entre una buena y una excelente fotografía? Suponiendo que la exposición y el enfoque son correctos, y los colores han salido a la perfección al imprimirla, hay una serie de elementos de los hablamos continuamente al observar una fotografía: Estos elementos, se resumen a lo que llamamos “Composición”. Y dependiendo de con quien lo discutamos, existirán puntos de vista y reglas diferentes, he aquí, algunos de ellos.

Centro de interés

Cada imagen tiene o debe de tener un centro de interés. El centro de interés es lo que nos hace hace entender de que trata la fotografía, tu mascota, el castillo de Tulum, las olas, etc.

Aunque lo llamamos centro de interés, no tiene que estar en el centro de la fotografía ni debe de ocupar el mayor espacio en ella.

La selección de tu centro de interés es para mi, la decisión más importante al componer una fotografía, es a partir de este elemento, que controlarás el mensaje que quieres transmitir con tu imagen.

Rellena el cuadro

Si quieres transmitir algo con una imagen, ocupa el mayor espacio posible con ese algo, asegurándote asi que ese es el centro de atención. Es muy común querer sacar demasiadas cosas en una fotografía, muchas veces, perdiendo con esto, la escencia del mensaje que queriamos transmitir, debido a la gran cantidad de elementos dentro de nuestra fotografía. Si tienes duda de que si algo debe o no debe estar en tu foto, la recomendación es, eliminalo.

Líneas

La líneas son elemtos de gran importancia en las artes visuales. Son las responsables de dar forma a las cosas, de mostrar contornos, con ellas podemos transportar a nuestros espectadores de una parte a la otra de la fotografía, ya sean convergentes o paralelas, diagonales, horizaontales o verticales, nos aportan significado a los elementos, crean sensaciones de distancia y profundidad, en fin, experimentar con ellas es un gusto.

Flujo

Con flujo, me refiero a la manera en que la mirada del espectador explora una fotografía, yendo de una parte a otra. Con el flujo, creas una sensación de movimiento o la ausencia de él. Por lo general lo creas utilizando las línea a veces obvias, otras no tanto, que existen en tu fotografía. Las líneas diagonales son consideradas las que tienen mayor dinamismo, mientras que las horizontales y las verticales se consideran más estáticas. Si logras balancealos elementos estáticos y dinámicos de tu imagen, esta tendrá un sentido de movimiento global y tendrás una imagen extraordinaria.

Dirección

Muy similar al flujo, tiene también la caractarística de crea la ilusión de movimiento. Si en una fotografía hay algo que parece estar en movimiento, definitivamente tiene una dirección hacia la que se está desplazando. Por ejemplo, una persona a punto de atravesar la calle, podemos imaginarla haciendolo un instante después. La imagén de la parte delantera de un automovil, a nuestra mente viene de inmediato la ilusión de ver la parte de atrás.

Repetición

El repetir elementos, como aves, manadas de animales, una copa llena de dulces, etc. Nos dan un sentido de relación entre los sujetos o elemento. Por ejemplo, una parbada de aves, viajando en “V” o alguna otra forma interesante, esto además de la relación, puede agregar líneas y un sentido de dirección. Psicológicamente puede ofrecernos un sentimiento de colaboración, de familia, o amistad.

Colores

Los colores siempre expresarán algo, los dividimos en cálidos y fríos. Los colores calidos son los rojos, naranjas y amarillos. Los colores fríos son los azules, verdes y violetas.

Existen muchos factores psicológicos relacionados los colores. Por ejemplo, los azules se consideran colores que transmiten paz, tranquilidad, mientras que lo rojos son más vida, intensidad. El color es determinante a la hora de componer una imagen, exite mucha literaruta al respecto, un ejercicio que puedes hacer, es analizar tus fotografías favoritas y ver si tienen un patrón de color definido.

Cuando hablamos de colores no debemos de olvidar el contraste tonal.  El cual, se de define, como la diferencia de luminosidad entre las partes más claras y más oscuras de nuestra fotografía.

Grupos de Tres

En la fotografía, existe una percepción especial hacía los números impares, especialmente el número tres.   Es algo díficil o mejor dicho imposible de explicar, pero fácil de sentir o percibir. Ya sea, en alimentos, macros, etc, el número tres suele funcionar perfectamente como centro de interés.

Espacio Negativo

Llamamos espacio negativo a los grandes espacios vacíos en nuestras imágenes, muchas veces son blancos o negros, pero puede ser un cielo enorme carente de nubes o áreas de la fotografía sin sentido, que no aporten a ella incluso le restan.

Sin embargo, el espacio negativo, nos permite transmitir sentimientos adicionales de aislamiento, soledad o tranquilidad en una escena. Es un recurso que no se utiliza frecuentemente, sin embargo, es importante tenerlo en cuenta aunque está en contraposición de Rellenar el Cuadro. Son simplemente dos maneras de componer diferentes que dan mensajes únicos.

Tres planos

El contenido que presentes al frente y atrás de tu sujeto, son de suma importancia. Los colores, las lineas y las texturas son elementos compositivos que aportan mucho a la historia de tu imagen, lo importante aquí es que los elementos que presentes, tanto en el frente como en el fondo, no distraigan la vista de tu espectador del punto de interés.

La herramienta más adecuada para marcar tanto la diferencia de el frente como de el fondo es la profundidad de campo. Gracias a la apertura del diafragma que hayas decidido emplear a la hora de crear tu fotografía, lo cual te permite conseguir mayor o menor nitidez en el fondo.

Enmarcado

Muchas veces al componer una fotografía existen elementos en la escena que te permiten de manera natural, enmarcar tu centro de interés. Algunos de ellos, son muy fáciles de indentificar, ya que tapan, por comleto alguna parte de la foto, estas suelen ser, ventanas, puertas, arcos, puentes, etc.

Algunos más se manifiestan de manera menos clara, simplemente dirigiendo nuestra mirada. Tal es el caso de ramas, señales de tráfico, etc. En resumen, cualquier elemento que ”enmarque” el centro de interés dirigiendo la atención de espectador hacía el elemento deseado.

Curvas en forma de “S”

Estas son un elemento muy utilizado en la fotografía, ya que lo relacionamos con la sensualidad, también te da la sensación de movimiento y ayuda a dirigir la mirada y explorar la imagen.

En la naturaleza y la vida cotodiana podemos encontrar este elemento recurrentemente, el cauce de un río o canal, una carretera, etc.

Peso de las Imágenes

El peso visual es la capacidad que tiene un elemento de atraer la mirada del espectador. Más peso, igal a mayor atracción.

Factores que hacen que algo tenga más peso

Tamaño. Un elemento grande, siempre tendrá más peso que uno pequeño.

Tamaño

Posición. Un elemento en una posición baja tiene más peso que uno en posición alta, aunado a esto un elemento en el lado derecho tiene más peso que uno en el lado izquierdo.

Posición

Distribución. Un elemento aislado tiene más peso que si está dentro de un grupo.

Distribución

Textura. Un elemento con textura, tiene más peso que uno que no la tenga, es decir un elemento liso.

Textura11.51.11

Forma. Lar formas regulares, geométricas, cerradas y/o reconocibles tienen más peso que el resto de las formas.

Forma

Color. Los colores cálido tienen más peso que los fríos, asi también los saturados pesan más que los no saturados, y por último los obscuros más que los claros.

Colores 1

Colores 2

Colores 3

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Forma. Lar formas regulares, geometricas, cerradas y/o reconocibles tienen más peso que el resto de las formas.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Color. Los colores cálido tienen más peso que los fríos, asi también los saturados pesan más que los no saturados, y por último los obscuros más que los claros.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Textura. Un elemento con textura, tiene más peso auq uno que no la tenga, es decir un elemento liso.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Forma. Lar formas regulares, geometricas, cerradas y/o reconocibles tienen más peso que el resto de las formas.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Color. Los colores cálido tienen más peso que los fríos, asi también los saturados pesan más que los no saturados, y por último los obscuros más que los claros.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Exposición Los Cabos

​https://m.facebook.com/story.php?story_fbid=810127342469107&id=120795064735675