El Horizonte en tus Fotografías de Paisajes

Al decir componer una imagen, nos referimos a la capacidad de ordenar los elementos dentro del cuadro, para facilitar la recepción de nuestra intensión. Decidir donde colocarás el horizonte en tus fotografías de paisaje es importante para la composición de tu imagen. La colocación de la línea del horizonte en una misma escena, puede transmitir ideas y sensaciones muy diferentes de una manera atractiva.

En muchas ocasiones, cuando creas fotografías de paisaje, te encuentras con que la línea del horizonte juega un papel fundamental, especialmente en la fotografía de paisaje del océano, donde este se convierte en un elemento de gran peso en tu imagen, y su ubicación es crucial.

La Regla de los Tercios

Esta nos dice que dentro de la escena, existen cuatro puntos que son más atractivos a la vista que el resto del cuadro, por lo cual se recomienda, situar el o los puntos de interés en estos cuatro puntos.

En la fotografía de paisaje, por lo general, retiramos las dos lineas verticales (cortas), dividiendo la imagen en tres segmentos iguales a lo largo del sensor. Si no logras imaginar o visualizar la división, Muchas cámaras ofrecen la visualización de las líneas de la regla de tracios, a través del visor o en la pantalla posterior.

Horizonte Medio

Cuando colocas el horizonte hacia arriba o hacia abajo, le das a tu fotografía mayor dinamismo, es por esto que procuramos no colocarlo en el centro, a menos que sus elementos, generen una simetría, lo que sucede regularmente cuando utilizamos agua en nuestra composición.

Horizonte Alto o Bajo

Lo elementos en la parte inferior de nuestra fotografía nos proporcionan una sensación de estabilidad. Este es un buen motivo para colocar el horizonte en la pare baja de nuestra imagen.

Sin embargo, en la mayoría de los casos determinamos la ubicación del horizonte en función de lo interesante o atractivo que es el cielo, el suelo o el sujeto o punto de interés.

Por ejemplo, al crear fotografías de amaneceres o atardeceres o un cielo lleno de nubes, es muy común, que el cielo tenga más espacio en tu fotografía que la parte inferior o el suelo.

Otro de los efectos cuando mantenemos un elemento de interés claramente identificable en la foto y el horizonte se encuentra bajo, es el de reforzar la sensación de aislamiento.

Por el contrario, si el cielo no ofrece un interés especial o quieres dar mayor protagonismo a lo que nos encontramos en primer plano, probablemente optes por situar la línea del horizonte en la parte superior.

Al situar la línea del horizonte en la parte alta de la fotografía tienes la capacidad de acentuar los detalles del primer plano y aumentar la sensación de distancia.

Cuanta más importancia quieras darle al primer plano y menos información contenga el cielo, más alta puedes mantener la línea del horizonte.

Mantén el Horizonte Recto

A menos que estés realizando una composición muy creativa utilizando el horizonte en cierto ángulo, evita que el horizonte esté inclinado. Es una situación común, que se produce sin que te des cuenta cuando estás creando una fotografía, pero se puede arreglar de forma muy sencilla en tu post procesamiento Lightroom, Camera RAW, Photoshop o el programa que utilices.

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Julieta Belmont

 

Les presento a mi amiga Julieta quien es fotógrafa de Bodas en Cancún y la Riviera Maya principalmente.

Desde que estaba en la secundaria me enamoré totalmente de la fotografía. Estudié Medios Masivos de Comunicación en la Universidad Autónoma de Aguascalientes y ahí fué cuando dije que yo quería ser fotógrafa, todavía no sabía de que pero ya la decisión ya estaba tomada.

Terminando la carrera me fui a estudiar fotografía un año a los Estados Unidos. Regresé a México, llegué a Cancún, y  meses después llegó el que hoy en día es mi marido. De eso ya hace 9 años

Después de un año nos casamos y nos fuimos de luna de miel. Fué una luna de miel un poco larga 6 meses. Regresamos de luna de miel a buscar trabajo.

Yo no quería trabajar en nada que no tuviera que ver con la fotografía. Mi marido conoce a un amigo que su mamá es organizadora de bodas (Denise Courtney) me da una entrevista. En mi vida había tomado una boda, entonces le llevé mis fotos de paisaje y las pocas sesiones que tenía.  Denise ve algo en mi y me presenta con Samuel Luna.

Samuel Luna me invita a 5 bodas. A la quinta boda va a dejarme a la casa y me dice mi Julie ¡Ya estás lista!. Ya se imaginarán mi cara de emoción.

De esto hace ya 8 años . En 8 años he construido Belmont Photography.  He ganado la confianza de mis clientes, empecé con una cámara y un lente, hoy tengo 3 cámaras y más de 4 lentes entre otros muchos  gadgets

Amo mi trabajo, estoy más que enamorada de lo que hago. Siento adrenalina cuando estoy tomando una boda. Me apasiona capturar momentos especiales para los novios. Estoy convencida de que si hago bien mi trabajo, me recordarán para toda su vida. En verdad disfruto dirigir a las parejas y reirme con ellas. Cuando eres fotógrafo de bodas, tienes que tener las emociones a flor de piel, tienes que poner atención a lo que están diciendo para poder captar las emociones. Además, cada vez que voy a una boda recuerdo vividamente la mía, lo cual considero un plus.

Cuando tengo una cámara en mis manos, me siento invensible, la mujer maravilla, todos los que nos dedicamos a la fotografía de algún modo tenemos un super poder, el de congelar en una imagén la alegría y el amor de una boda, la mirada llena de recuerdos de los abuelos, lo que dicen las manos,  los detalles que con tanto cariño han preparado los novios, somos parte importante de ese gran día, por que al final lo único que nos ayuda a recordar y a revivir ese gran día son las fotos y el video. Teniendo eso en cuenta doy el 101%, por que sé que el día de mañana la pareja lo va a valorar muchísimo.

Todos nos enfrentamos a retos todos los días y van variando dependiendo de la edad , a lo que nos queramos dedicar, la familia. Mi reto de todos los días es con mi mano y pierna derecha  Tengo Paralisis Cerebral esto significa que no puedo mover bien la parte derecha de mi cuerpo.

Actualmente mi esposo y yo nos estamos preparando para la Aventura de nuestras vidas,  nos vamos de Alaska a Argentina a tomar fotos de paisajes y hacer sesiones por toda América. Conociendo la cultura y las historias de los demás.

Me pueden encontrar en

Facebook Julieta Belmont / The Overland Diaries

Instagram: belmont.photography

Cel (998) 144 63 63

www.belmontphotography.com

Composición Fotográfica

 

¿Cuál es la diferencia entre una buena y una excelente fotografía? Suponiendo que la exposición y el enfoque son correctos, y los colores han salido a la perfección al imprimirla, hay una serie de elementos de los hablamos continuamente al observar una fotografía: Estos elementos, se resumen a lo que llamamos “Composición”. Y dependiendo de con quien lo discutamos, existirán puntos de vista y reglas diferentes, he aquí, algunos de ellos.

Centro de interés

Cada imagen tiene o debe de tener un centro de interés. El centro de interés es lo que nos hace hace entender de que trata la fotografía, tu mascota, el castillo de Tulum, las olas, etc.

Aunque lo llamamos centro de interés, no tiene que estar en el centro de la fotografía ni debe de ocupar el mayor espacio en ella.

La selección de tu centro de interés es para mi, la decisión más importante al componer una fotografía, es a partir de este elemento, que controlarás el mensaje que quieres transmitir con tu imagen.

Rellena el cuadro

Si quieres transmitir algo con una imagen, ocupa el mayor espacio posible con ese algo, asegurándote asi que ese es el centro de atención. Es muy común querer sacar demasiadas cosas en una fotografía, muchas veces, perdiendo con esto, la escencia del mensaje que queriamos transmitir, debido a la gran cantidad de elementos dentro de nuestra fotografía. Si tienes duda de que si algo debe o no debe estar en tu foto, la recomendación es, eliminalo.

Líneas

La líneas son elemtos de gran importancia en las artes visuales. Son las responsables de dar forma a las cosas, de mostrar contornos, con ellas podemos transportar a nuestros espectadores de una parte a la otra de la fotografía, ya sean convergentes o paralelas, diagonales, horizaontales o verticales, nos aportan significado a los elementos, crean sensaciones de distancia y profundidad, en fin, experimentar con ellas es un gusto.

Flujo

Con flujo, me refiero a la manera en que la mirada del espectador explora una fotografía, yendo de una parte a otra. Con el flujo, creas una sensación de movimiento o la ausencia de él. Por lo general lo creas utilizando las línea a veces obvias, otras no tanto, que existen en tu fotografía. Las líneas diagonales son consideradas las que tienen mayor dinamismo, mientras que las horizontales y las verticales se consideran más estáticas. Si logras balancealos elementos estáticos y dinámicos de tu imagen, esta tendrá un sentido de movimiento global y tendrás una imagen extraordinaria.

Dirección

Muy similar al flujo, tiene también la caractarística de crea la ilusión de movimiento. Si en una fotografía hay algo que parece estar en movimiento, definitivamente tiene una dirección hacia la que se está desplazando. Por ejemplo, una persona a punto de atravesar la calle, podemos imaginarla haciendolo un instante después. La imagén de la parte delantera de un automovil, a nuestra mente viene de inmediato la ilusión de ver la parte de atrás.

Repetición

El repetir elementos, como aves, manadas de animales, una copa llena de dulces, etc. Nos dan un sentido de relación entre los sujetos o elemento. Por ejemplo, una parbada de aves, viajando en “V” o alguna otra forma interesante, esto además de la relación, puede agregar líneas y un sentido de dirección. Psicológicamente puede ofrecernos un sentimiento de colaboración, de familia, o amistad.

Colores

Los colores siempre expresarán algo, los dividimos en cálidos y fríos. Los colores calidos son los rojos, naranjas y amarillos. Los colores fríos son los azules, verdes y violetas.

Existen muchos factores psicológicos relacionados los colores. Por ejemplo, los azules se consideran colores que transmiten paz, tranquilidad, mientras que lo rojos son más vida, intensidad. El color es determinante a la hora de componer una imagen, exite mucha literaruta al respecto, un ejercicio que puedes hacer, es analizar tus fotografías favoritas y ver si tienen un patrón de color definido.

Cuando hablamos de colores no debemos de olvidar el contraste tonal.  El cual, se de define, como la diferencia de luminosidad entre las partes más claras y más oscuras de nuestra fotografía.

Grupos de Tres

En la fotografía, existe una percepción especial hacía los números impares, especialmente el número tres.   Es algo díficil o mejor dicho imposible de explicar, pero fácil de sentir o percibir. Ya sea, en alimentos, macros, etc, el número tres suele funcionar perfectamente como centro de interés.

Espacio Negativo

Llamamos espacio negativo a los grandes espacios vacíos en nuestras imágenes, muchas veces son blancos o negros, pero puede ser un cielo enorme carente de nubes o áreas de la fotografía sin sentido, que no aporten a ella incluso le restan.

Sin embargo, el espacio negativo, nos permite transmitir sentimientos adicionales de aislamiento, soledad o tranquilidad en una escena. Es un recurso que no se utiliza frecuentemente, sin embargo, es importante tenerlo en cuenta aunque está en contraposición de Rellenar el Cuadro. Son simplemente dos maneras de componer diferentes que dan mensajes únicos.

Tres planos

El contenido que presentes al frente y atrás de tu sujeto, son de suma importancia. Los colores, las lineas y las texturas son elementos compositivos que aportan mucho a la historia de tu imagen, lo importante aquí es que los elementos que presentes, tanto en el frente como en el fondo, no distraigan la vista de tu espectador del punto de interés.

La herramienta más adecuada para marcar tanto la diferencia de el frente como de el fondo es la profundidad de campo. Gracias a la apertura del diafragma que hayas decidido emplear a la hora de crear tu fotografía, lo cual te permite conseguir mayor o menor nitidez en el fondo.

Enmarcado

Muchas veces al componer una fotografía existen elementos en la escena que te permiten de manera natural, enmarcar tu centro de interés. Algunos de ellos, son muy fáciles de indentificar, ya que tapan, por comleto alguna parte de la foto, estas suelen ser, ventanas, puertas, arcos, puentes, etc.

Algunos más se manifiestan de manera menos clara, simplemente dirigiendo nuestra mirada. Tal es el caso de ramas, señales de tráfico, etc. En resumen, cualquier elemento que ”enmarque” el centro de interés dirigiendo la atención de espectador hacía el elemento deseado.

Curvas en forma de “S”

Estas son un elemento muy utilizado en la fotografía, ya que lo relacionamos con la sensualidad, también te da la sensación de movimiento y ayuda a dirigir la mirada y explorar la imagen.

En la naturaleza y la vida cotodiana podemos encontrar este elemento recurrentemente, el cauce de un río o canal, una carretera, etc.

Peso de las Imágenes

El peso visual es la capacidad que tiene un elemento de atraer la mirada del espectador. Más peso, igal a mayor atracción.

Factores que hacen que algo tenga más peso

Tamaño. Un elemento grande, siempre tendrá más peso que uno pequeño.

Tamaño

Posición. Un elemento en una posición baja tiene más peso que uno en posición alta, aunado a esto un elemento en el lado derecho tiene más peso que uno en el lado izquierdo.

Posición

Distribución. Un elemento aislado tiene más peso que si está dentro de un grupo.

Distribución

Textura. Un elemento con textura, tiene más peso que uno que no la tenga, es decir un elemento liso.

Textura11.51.11

Forma. Lar formas regulares, geométricas, cerradas y/o reconocibles tienen más peso que el resto de las formas.

Forma

Color. Los colores cálido tienen más peso que los fríos, asi también los saturados pesan más que los no saturados, y por último los obscuros más que los claros.

Colores 1

Colores 2

Colores 3

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Forma. Lar formas regulares, geometricas, cerradas y/o reconocibles tienen más peso que el resto de las formas.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Color. Los colores cálido tienen más peso que los fríos, asi también los saturados pesan más que los no saturados, y por último los obscuros más que los claros.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Textura. Un elemento con textura, tiene más peso auq uno que no la tenga, es decir un elemento liso.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Forma. Lar formas regulares, geometricas, cerradas y/o reconocibles tienen más peso que el resto de las formas.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Color. Los colores cálido tienen más peso que los fríos, asi también los saturados pesan más que los no saturados, y por último los obscuros más que los claros.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Recomendaciones para comprar un lente nuevo

 

32mm-f-16-1
32mm f/16
200mm-f3-2-1
200mm f/3.2
100mm-f2-8-macro-1
100mm F/2.8 Macro
24mm-f-5-1
24mm f/5
300mm-f-5-6-1
300mm f/5.6
28mm-f-22-20-seg-1
28mm f/22 20 seg
10mm-f-22-1-13-seg-1
10mm F22 1/13 seg

El año inicia y con él, quizá el proposito de adquirir uno o si es posible, varios lentes nuevos para tu cámara. Cuando uno anda en busca de nuevo equipo fotográfico es claridad a la hora de tomar la decisión. Por ejemplo ¿cuánto gastar? ¿en qué medida está mejorando mi equipo fotográfico? ¿mejorará la calidad de mis imágenes? Etc.

 

  1. Presupuesto

Todos tenemos un presupuesto diferente, y de este, dependerá, los lentes a considerar. Cual sea tu presupuesto mantenlo presente, mientras lees este artículo, quizá veas las cosas desde una perspectiva diferente al terminarlo.

Mi punto de vista es el siguente, tener la menor cantidad de lentes de buena calidad posibles. En pocas palábras, no compres equipo de más. De acuerdo a tu proyecto fotográfico personal, comienza haciendo una lista de los lentes que idealmente te gustaría tener en el mediano y largo plazo y en base a este, el lente que tienes en mente, ¿forma parte integral del plan?

 

  1. Sensor de cuadro completo o APS-C

Algunos de los fabricantes ofrecen ambas opciones en el tamaño del sensor. Lo que en ocasines hace la compra de un lente un poco más complicada.

Idealmente, deberías de decidir esto al comprar tu primera cámara y continuar con el tamaño del sensor que elegiste en el futuro. Esto simplificará tu proceso de compra, reduciendo la confusión.

 

  1. Distancia Focal

Puedes creer que tener un set de lentes todo propósito es coleccionar lentes que abarquen todas las distancias focales posibles. Por ejemplo, al comprar una cámara puede venir con un lente 18-55mm, tu pensamiento inmediato puede ser mi siguiente lente, debe ser un 55-250mm ó 70-300mm y asi sucesivamente, de esta manera, no perderás ninguna distancia focal.

Esto no es del todo cierto, en el siguiente punto te explicaré un más de cómo pensar acerca de lentes.

 

  1. ¿Qué es lo que vas a fotografiar?

Continuando con el ejemplo del lente 18-55mm, quizá podrías considerar las siguiente opciones como segundo lente: Canon 50mm fijo como un lente para retrato (dados los beneficios de una imagen de alta calidad y su apertura), Canon 100mm Macro fijo para tomar flores e insectos, un 500mm para hacer fotografías de vida salvaje y deportes o un 20mm para crear paisajes.

La clave es que la elección de tu lente, debe de ir en estrecha relación con el sujeto. El sujeto siempre en primero. Una vez que sepas lo que quieres fotografías, puedes elegirl el mejor o los mejores lentes para ese trabajo, de alli la distancia focal es el siguiente paso.

En otras palabras, no compres un lente por que crees que lo debes de tener, compralo por que realmente lo necesitas.

 

  1. Calidad del Lente, Resistencia al Agua y Auto Enfoque.

La mayoría de los fabricantes ofrecen lentes de bajo, medio y alto costo. Los lentes económincos, pueden parecer una ganga, comparados con lo de mayor rango, sin embargo su contrucción es de menor calidad, como por ejemplo la calidad del vidrio, la velocidad y el ruido del motor de auto enfoque.

Por el otro lado, los lentes más caros, están mejor construidos, tienen mejores componentes, desde el mismo cuerpo, el vidrio, el motor, e incluso, algunos vienen sellados para soportar.

 

  1. ¿Lente Fijo ó Zoom?

El principal beneficio de un lente zoom en la conveniencia. Si eres un fotografo de boda o quieres tomar fotos de un evento familiares mucho más fácil hacer zoom desde un gran ángular hasta un tele foto cuando lo necesitas que cambier de lente. Si eres un fotógrafo de paisaje, es mucho más sencillo utilizar un zoom gran angular par alograr el encuadre preciso, que cambiar lentes fijos. (o quizá las condiciones de ubicación y del ambianete no lo hacen posible)

Los beneficios de un lente fijo son calidad de imagen y mayor apertura. Compara un 18-55mm cuya apertura máxima es tipicamente f/5.6 con un 50mm fijo que tiene una paretura máxima de 1.2. Esta diferencia de cuatro pasos permite una entrada de luz a tu cámara 16 veces mayor., lo que te permite entre otras cosas tomar fotografías con el fondo borroso asi como crear imágenes en condiciones de poca luz sin tener que subir mucho el ISO. Es po lo anterior que el 50mm fijo es mejor lente que el 18-55mm para hacer retrato (regresando al punto de que la elección de un lente debe de ser hecha en base al sujeto, no a la distancia focal)

Algunos fotógrafos prefieren lentes fijos y otros lentes zoom, reflexionar sobre tus prioridades te ayudará decidir cual es mejor para ti.

Si eres por ejemplo un fotpografo de paisajes quien siempre dispara con aperturas que oscilan entre f/8 y f/16, las aperturas mayores que te ofrecen los lentes fijos pueden ser irrelevantes y un lente zoon es probablemente tu mejor alternativa

 

  1. Peso y Dimensión

Estos dos factores son importantes, ya que los estarás llevando de un lado a otro. Sin embargo, al hablar de tamaño no olvides los filtros. En este rubro puedes ahorarte mucho dinero, comprando lentes más pequeños. Por ejemplo, compara el mismo filtro polarizador para un lente con diametro de 58mm y uno de 77mm. Si eres un fotógrafo de paisaje, puedes ahorarrte miles de pesos.

 

  1. Marca del lente

Puedes ahorar dinero comprando un lente de una marca alternativa como son Tokina, Sigma ó Tamron. En mi opinión, es mejor comprar un lente hecho por el fabricante de tu cámara, siempre que te sea posible. A menos que tengas un motivo especial para comprar un lente de una marca alternativa. Por ejemplo aunque yo soy un usuario Canon, para mi trabajo subacuático me gusta utilizar un lente Tokina 10-17mm, que, en la opinión de varíos fotógrafos subacuáticos que conozco, es uno de los mejores lentes para ets e uso. Lo lentes OEM por sus siglas en inglés (Original Equipment Manufacturer)

 

  1. Estabilización de Imagen

El estabilizador de imagen, en un pequeño motor dentro de el lente, que mueve los elementos de manera que compensa el movimiento que se crea en la cámara a la hora de tomar una fotografía. Sa este movimiento los fabricantes le han llamado de diferenres formas( Nikon VR reductor de vibración, Canon IS Estabilizador de Imagen). Este mecanismo te ayuda a tomar fotografías en condiciones de poca luminosidad, utilizando ISO bajo, o aperturas pequeñas, que de otra forma no serían posibles. Los lentes con estabilizadores de vibración, son un poco más costosos que los que no cuentan con ellos, piensa bien, si lo necesitas o no, antes de pagar dinero extra.

* Algunos fabricante, como Sony o Pentax, tienen su estabilizador de imagen enla cámara no en los lentes.

Espero que estos artículos te ayan ayudado a tomer una mejor decisión para realizar la compra detu siguiente lente.

 

Introducción a la Fotografía de Alimentos Parte 3

 

  1. Reflectores Caseros

 

Una visita a tu papelería más cercana, será sufuciente para complementar tu equipo de iluminación, Un par de pliegos de foam board, de preferencia blanco de un lado y negro del otro, un cutter, funtak de Pritt y un par de porta libros. Y de tu alacena un poco de papel aluminio, es lo que necesitas para crear tus reflectores hechos en casa y como mantenerlos en su lugar.

 

  1. Computadora con capacidad Tethered

 

En mi caso utilizo el EOS capture que viene como parte del sofware de Canon. Lightroom es compatible con algunas cámaras Canon, Nikon y Leica. Capturar tether significa que la imagen pasa directamente de la cámara a la computadora, permitiéndonos esto un mejor control sobre la imagen que estamos creando, en el caso de la fotografía de alimentos, tether es una herramienta muy valiosa ya que en este tipo de fotografía, se requiere de disparar, observar y repetir, y esto es mucho más facil, si tienes la posibilidad de evaluar tus imágenes en una pantalla de computadora en lugar de hacerlo a través de la pantalla de tu cámara.

 

  1. Verificador de Color

 

Una herramienta como Color Checker Passport, MacBeth ó Expodisk es crucial. Un verificador de color es importantísimo, sobre todo, si creas tu toma con luz natural o con la luz disponible en el lugar de la sesión, ya que en muy pocas ocasiones, será igual a los balances de blancos de tu cámara. Y nada se ve tan poco apetecible, como una rebanada de helado de vainilla con tono verde.

 

  1. Luces de Estudio

 

Estas pueden ser muy caras o relativamente baratas, todo dependerá de que tanto trabajo hagas y que tanto te gusta trabajar con equipo de iluminación. Algo que debes de tener en mente, es que existen infinidad de modificadores de luz para cada sistema. Un estudio típico consta dos o tres lámparas y sus modificadores para dirigir la luz, como snoots, rejillas y una caja de luz de relleno, que colocamos exactamente sobre los alimentos o en la parte poseterior. Sin embargo, es totalmente posible crear estupendas fotografías, con luz natural y equipo básico.

 

Todo dependerá de, si quieres hacer una carrera como fotógrafo de alimentos, pues necesitarás más equipo , sin embargo, para un inicio y aprender lo básico, lo que te presenté en este artículo será suficiente.

Introducción a la Fotografía de Alimentos Parte 2

 

Mejoralo.

Una manera de mejorar la apariencia de algunos alimentos es darles una pasada con una brocha con aceite vegeta.

Baja la cámara.

Un error comun es tomar la fotografía directamente desde arriba, aunque esto puede funcionar en ocasiones. En la mayoría de los casos obtendrás una mejor toma haciéndola cercana al nivel del plato o ligeramente arriba.

Macro.

Enfocandote en solamente una parte del platillo puede ser una manera efectiva de destacar diferentes elementos de él.

Vapor.

Un poco de vapor, saliendo de tu comida puede darle esa sensación de “recien hecho” una sensasión que a muchos fotógrafos les agrada. Esto no es facil de lograr de manera natural. Una forma puede ser calentando torundas de algodón remojadas en agua y calentarlas en el microondas, Colocar un incienso o cerillos recien apagados.

Equipo Básico para Fotografiar Alimentos

Muchos de los fotógrafos que conozco, son fanáticos del equipo, les encanta hablar de equipo, tener lo último en equipo, hablar de él. Yo no soy mucho de ello, soy más de mantener las cosas simples en mi trabajo, asi que les presento una lista de equipo para iniciar de manera sencilla.

  1. Cualquier cámara digital

La cantidad de megapixeles, si de sensor grande o recortado, no es prioritario. Lo importante, es que te sientas a gusto con tu cámara. Pentax, Sony, Fuji, Olymous, fabrican muy buenas cámaras, sin embargo, Canon y Nokin, son las que tienen más usuarios asi como una amplia gama de accesorios, lo cual te puede ser importante algún día. Por otra parte si algún día quieres comprar una mejor cámara estas dos márcas tienen un mejor valor de reventa.

  1. Lente Macro

 Los lentes macro de marca como Canon y Nikon, son definitivamente la mejor opción, aunque son más caros, existen otras alternativas como lentes de marcas con Sigma y Tamron, tambien tenemos los filrtos macro que se atornillan al frente de un lente común, estos presentan por lo general deficiencia cuando hablamos de nitidez y profundidad de campo. Mi lente favorito para realizar macros de comida es el Canon 100mm f/2.8 Macro.

 

  1. Un Buen Tripie

En el entendido de que la fotografía de alimentos es un proceso en el cual vamos construyendo una mimagen y que tenemos que realizar varios disparos de prueba, un tripie robusto es indispensable. Uno de las especificaiones que debes de tener en cuenta es la altura mínima de tu tripie, la altura común de una mesa de restaurante es de aproximadamente 75 cm. Mi tripié favorito en un Gitzo Serie 2, con Cabeza Acratech Ultimate, este me pemite la movilidad necesaria con un tripie ligero y estable.

 

Introducción a la Fotografía de Alimentos Parte I

 

En muchas ocasiones al leer los libros de cocina o buscar recetas en el internet, la fotografía del platillo es el foco principal de la publicación, en muchas ocasiones dejando a la receta en segundo plano. Las imágenes perfectas, desde la cocción, la presentación, los aderezo, la vajilla y el montaje de la mesa, etc.

 

¿Cómo conseguir grandes resultados fotografiando comida?

 

Iluminación.

 

Trata a la comida como a cualquier sujeto de naturaleza muerta y asegurate de que estpe bien iluminado. Uno de los mejores lugares para fotografiar alimentos es una ventana, de preferencia orientada hacía el norte, por la que entre mucha luz natural – esta puede ser complementada por un flash rebotando en el techo, una pared o un foam board, para ayudarte a trabajar las sombras. La luz de día también contribuye a que tus alimentos se vean más naturales.

 

 

Accesorios.

 

Al fotografiar alimentos, es importante, no solo poner atención al arreglo del elemento principal, sino también al contexto de la imagen, al ambiente, esto incluye, los platos, los manteles y cualquier arreglo que le puedas hacer a la mesa. No llenes la escena de accesorios, considera solo los elementos necesarios, aquellos que aporten algo a la historia de tu platillo o de tu ambiente, estos elementos suelen ser, tenedores, flores, servilletas, condimentos, etc. Por lo general los ponemos en una posición secundaria, en el frente, fondo o fuera de foco.

 

Prontitud.

 

La comida pierde su aspecto apetitoso rápidamente, asi que necesitas estar listo y bien preparado para de preferencia hacer la fotografía, lo antes posible en mucho de los casos inmediatamente después de haber sido preparada, antes de que cambie de color, se derrita o colapse. Con estar listo quiero decir, que necesitas saber lo que quieres lograr con tu imagen, antes de que la comida llegue. Para esto te recomiendo, crear la escena previamente, colocar los accesorios donde los planeas, asegurar tu correcta exposición, muchas veces con un plato vacío, otras con un plato con un platillo similar o una primera prueba del platillo estrella, asi en cuanto esté listo solo reemplazas este por el que va a ser fotografiado.

 

Estilílzalo.

 

La manera en la que colocas un alimento en un plato es tan importante como la manera en que lo vas a fotografiar. Pon atención al balance de los elementos en tu escena ( colores, formas, tamaños, etc.). Una manera de aprender es observando y analizando libros de cocina, puedes aprender mucho de accesorior, ambientes y otros factores importantes.

Modos de Flash Manual contra TTL

 

¿Qué es el Modo TTL?

 

Las siglas TTL provienen del inglés Through The Lens, este modo funciona de la siguiente manera, el flash hace un pre-destello y la medición de la exposición que produce éste sobre la imagen, es recibido a través de tu lente. Posteriormente, la cámara y el flash, calculan la intensidad precisa a la que deberá emitirse en el destello final, esto se genera en milisegundos, para lograr una exposición correcta de la escena. De este modo, no es necesario realizar cálculos sobre el número guía de tu flash, tomar en cuenta la potencia a la que estás disparando, la distancia al sujeto que quieres ilumunar, el uso de modificadores de la luz, filtros, etc., en modo TTL tu flash realiza todos estos cálculos en base pre-destello y determina la potencia exacta a la que el destello final se requiere para una exposición perfecta. A pesar de lo increíble que suena el modo TTL existen situaciones en las que el modo Manual es una mejor alternativa.

 

Características del Modo Manual

  • Te da el mayor control posible, en cuanto a la intensidad que emite el flash.
  • Es el modo adecuado para aprender sobre iluminación: intensidad cobertura, calidad, dirección de la luz, etc.
  • Es posible emplearlo con cualquier modelo de flash y cámara (ya que no es necesario un tipo de comunicación específico entre ellos).
  • Te permite obtener el máximo nivel de potencia de tu flash.
  • Es el modo más apropiado cuando no hay variación de distancia entre sujeto y el flash.
  • El comportamiento de la luz es mucho más predecible que con TTL.
  • Si se deseas disparar de manera inalámbrica, los sistemas de comunicación disponibles son mucho más económicos.

 

Características del Modo TTL

  • Aunque el control se delega al sistema, tioenes la posibilidad de compensarla intensidad para ajustarla al resultado que estás buscando.
  • Para su funcionamiento, es indispensable que cámara y flash que sean compatibles y que tengan esta función.
  • La emisión de los pre-destellos hace que la potencia final se reduzca, aunque no significativamente.
  • Cuando se emplean modificadores, filtros, difusores, etc. El flash realiza los cálculos teniendo en cuenta estos aspectos sin ningún problema.
  • Es un sistema apropiado para situaciones en las que la distancia enre el flash y el sujeto no son constantes.
  • Si se desea disparar de forma inalámbrica, los sistemas de comunicación existentes resultan más caros.

 

Conclusión: si tienes tiempo para preparar la toma y ajustar la iluminación de la imagen, no lo dudes, dispara en manual. Lograrás exactamente el resultado que deseas (quizás no a la primera) y, lo mejor de todo, irás adquiriendo un mayor dominio de la iluminación artificial, que te ayudará a ser cada vez más rápido y preciso.

Composición Fotográfica

¿Cuál es la diferencia entre una buena y una excelente fotografía? Suponiendo que la exposición y el enfoque son correctos, y los colores han salido a la perfección al imprimirla, hay una serie de elementos de los hablamos continuamente al observar una fotografía: Estos elementos se resumen a lo que llamamos “Composición”. Y dependiendo de con quien lo discutamos, existirán puntos de vista y reglas diferentes, he aquí, algunos de ellos.

 

Centro de interés

Cada imagen tiene o debe de tener un centro de interés. El centro de interés es lo que nos hace hace entender de que trata la fotografía, tu mascota, el castillo de Tulum, las olas, etc.

Aunque lo llamamos centro de interés no tiene que estar en el centro de la fotografía ni debe de ocupar el mayor espacio en ella.

La selección de tu centro de interés es para mi, la decisión más importante al comporner una fotografía, es a partir de este elemento, que controlarás el mensaje que quieres transmitir con tu imagen.

 

Rellena el cuadro

Si quieres transmitir algo con una imagen, ocupa el mayor espacio posible con ese algo, asegurándote asi que ese es el centro de atención. Es muy común querer sacar demasiadas cosas en una fotografía, muchas veces perdiendo con esto la escencia del mensaje que queriamos transmitir, debido a la gran cantidad de elementos dentro de nuestra foto. Si tienes duda de que si algo debe o no debe estar en tu foto, la recomendación es, eliminalo.

 

Líneas

La líneas son elemtos de gran importancia en las artes visuales. Son las responsables de dar forma a las cosas, de mos trar contornos, con ellas podemos transportar a nuestros especadores de una parte a la otra de la fotografía, ya sean convergentes o paralelas, diagonale, horizaontales o verticales, nos aportan significado a los elementos, crean sensaciones de distancia y profundidad, en fin, experimentar con ellas es un gusto.

 

Flujo

Con flujo me refiero a la manera en que la mirada del espectador explora una fotografía, yendo de una parte a otra. Con el flujo creas una sensación de movimiento o la ausencia de él. Por lo genetar lo cras utilizando las línea a veces obvias o otras no tanto que existen en tu fotografía. Las líneas diagonales son consideradas las que tienen mayor dinamismo, mientras que las horizontales y las verticales se consideran más estáticas. Si logras balancealos elementos estáticos y dinámicos de tu imagen, esta tendrá un sentido de movimiento global y tendrás una imagen extraordinaria.

Dirección

 

Muy similar al flujo, tiene también la caractarística de crea la ilusión de movimiento. Si en una fotografía hay algo que parece estar en movimiento, definitivamente tiene una dirección hacia la que se está desplazando. Por ejemplo, una persona a punto de atravesar la calle, podemos imaginarla haciendolo un instante después. La imagén de la parte delantera de un automovil, a nuestra mente viene de inmediato la ilusión de ver la parte de atrás.

 

Repetición

El repetir elementos, como aves, manadas de animales, una copa llena de dulces, etc. Nos dan un sentido de relación entre los sujetos o elemento. Por ejemplo, una parbada de aves, viajando en “V” o alguna otra forma interesante, esto además de la relación, puede agregar líneas y un sentido de dirección. Psicologicamente puede ofrecernos un sentimiento de colaboración, de familia, o amistad.

 

Colores

Los colores siempre expresarán algo, los dividimos en cálidos y fríos. Los colores calidos son los rojos, naranjas y amarillos. Los colores fríos son los azules, verdes y violetas.

Existen muchos factores psicológicos relacionados los colores. Por ejemplo, los azules se consideran colores que transmiten paz, tranquilidad, mientras que lo rojos son más vida, intensidad. El color es determinante en una composición fotográfica, exite mucha literaruta al respecto, un ejercicio que puedes hacer es analizar tus fotografías favoritas y ver si tienen un patron de color definido.

Cuando hablamos de colores no debemos de olvidar el contraste tonal. El cual se de define, como la diferencia de luminosidad entre las partes más claras y más oscuras de nuestra fotografía.

 

Grupos de Tres

En la fotografía, existe una percepción especial hacía los números impares, especialmente el número tres.   Es algo díficil o imposible de explicar, pero fácil de sentir o percibir. Ya sea, en alimentos, macros, etc, el número tres suele funcionar perfectamente como centro de interés.

 

Espacio Negativo

Llamamos espacio negativo a los grandes espacios vacíos en nuestras imágenes, muchas veces son blancos o negros, pero puede ser un cielo enorme carente de nubes o áreas de la fotografía sin sentido, que no aporten a ella incluso le restan.

Sin embargo, el espacion negativo, nos permite transmitir sentimientos adicionales de aislamiento, soledad o tranquilidad en una escena. Es un recurso que no se utiliza frecuentemente, sin embargo, es importante tenerlo en cuenta aunque está en contraposición de Rellenar el Cuadro. Son simplemente dos maneras de componer diferentes que dan mensajes únicos.

Arturo Sanromán

Arturo Egresó en 1982 de la carrera de Diseño Industrial en la Universidad Nuevo Mundo en la Ciudad de México. Para entonces ya había participado de varios cursos y talleres de fotografía. En 1979 Ingresa al despacho Formata Diseño, donde es responsable de cubrir los eventos de la revista turística AcaHere en las locaciones de Acapulco, Ixtapa-Zihuatanejo y Taxco, así como proveer material fotográfico necesario para proyectos adicionales de los clientes del mismo despacho.

En 1984, sus inclinaciones por la tecnología lo llevan a forma parte del equipo de IBM, responsable del lanzamiento de la PC en nuestro país. Más adelante en 1986 fundaría la empresa Graficrom. Buró de pre prensa digital, donde adquiriría los conocimientos especializados del manejo de archivos de imágenes en formato digital.

En 1996, constituye con amigos la empresa Bajanet, en Baja California Sur y se va a radicar en 1997 a la ciudad de La Paz, donde brindan servicios de ISP (Internet Service Provider), Constituyéndose como uno de los primeros proveedores en el estado. Generando contenido fotográfico de promoción para el estado a través del portal web de la empresa.

Para 1999 decide abrir una empresa filial a Bajanet, aquí en Quintan Roo, en la ciudad de Playa del Carmen, donde además de proveer servicios de ISP, brindarían soluciones en fotografía, diseño y comunicación gráfica.

Después de dedicarse del 2001 al 2008 en áreas distintas a la fotografía y más relacionadas con TI y sistemas de información. En 2008 decide retomar sus raíces en la fotografía profesional, y enfoca sus actividades fundamentalmente en brindar servicios de fotografía de retrato, comercial, interiorismo, paisaje, y producto.

 

Radica desde 2015 en la ciudad de Cancún donde ha participado en múltiples proyectos profesionales, así como en exposiciones Colectivas e individuales dentro del estado.

Muestra de Artes Visuales Quintana Roo 2015. Especialidad Fotografía

26 Septiembre 2015, Casa de la Cultura, Cancún QR

 

Visiones de la Naturaleza, Sureste Mexicano

12 Marzo, 2016, Playa del Carmen QR.
Guardianes del Manglar, Exposición fotográfica

Julio 30-31 Tajamar, Cancún, QR

 

Muestra de Artes Visuales Quintana Roo 2016. Especialidad Fotografía

26 Septiembre 2015, Casa de la Cultura, Cancún QR
Bienal de Artes Visuales Cozumel 2016
7 Noviembre 2016, Museo de la Isla de Cozumel, QR

 
La fotografía es el arte de interpretar la luz. Y es el manejo que hagamos de ella, lo que quedará plasmado en una imagen.

Arturo Sanromán
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Inmensidad Nikon D7000 f/18 1/50sec. ISO-100 0.0 Bias Nikor AF-S DX 18-105 ED VR @70mm La majestuosidad, su colosal tamaño, la energía que posee. Los centro de tormenta o CumulusNimbus, que llegan a medir hasta 20km de altura, son fácilmente apreciables en la costa, donde nuestra visión no se ve obstaculizada por edificios, montañas, etc. Siempre he tenido cierta fascinación por las nubes.
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Casa Chechen II Nikon D7000 f/5.6 1/60sec. ISO-100 +0.3 Bias Sigma APO 70-200 @200mm Cuando llegué a vivir a Cancún, me hospedé temporalmente en una casa de huéspedes que se encuentra en la colonia Álamos. La casa como las de por ahí tranquila y espaciosa. Tenía en el jardín un canal de nado donde cada tarde bajaban los Zanates a refrescarse, tomar un baño y porque no, a disfrutar un poco del agua.
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Líneas Pintadas de Amarillo Nikon D7000 f/8 1/250sec. ISO-320 0.0 Bias Nikor AF-S DX 18-105 ED VR @105mm Cuando estamos atentos a nuestro entorno, es posible detectar escenas que hasta podrías considerarse antagónicas. Pero la composición minimalista y abstracta que nos brinda el barandal, permite que el colorido del ave y su misma presencia le te otra tesitura a la imagen.