Retratos con Luz Natural

Crear imágenes con luz natural es una de mis formas favoritas, de hacer fotografía y en el caso de retratos logramos un sentimiento que las fotografías de estudio no transmiten. Además, si lo comparas con hacer retratos en estudio, es mucho más fácil, ya que no tienes que aprender las técnicas de iluminación requeridas. Es más barato, ya que no necesitarás, ni estrobos, ni cajas de luz, ni modificadores, etc. En resumen, crear retratos en estudio, es más complicado que hacerlos con luz natural.

Hacer retratos con luz natural es un gran inicio como retratista. Te permitirá, trabajar en tu composición, tus destrezas de comunicación con tu sujeto y te ayudará a desarrollar la confianza en ti mismo. Y después, decidirás si quieres o no invertir en equipo de estudio.

Parámetros de la cámara

Existen algunos trucos sencillos que te ayudarán a crear excelentes retratos con luz natural. Como es normal, iniciaremos con los parámetros de la cámara.

  1. Modo Manual

En un mundo ideal, lo que debería de suceder, es tener control total sobre los parámetros de tu equipo, para esto lo mejor es tirar en modo manual.

  1. Velocidad

Necesitarás una velocidad mínima de obturación de 1/100 de un segundo (o más rápida) Esto es muy importante, ya que te ayudará a no tener imágenes borrosas, ya que tu sujeto, estará en movimiento gran parte del tiempo.

  1. Apertura

Para lograr un fondo suave y borroso, necesitas utilizar la apertura más grande que puedas, f/4 funciona muy, sin embargo f/1.8 sería ideal, aunque si quieres una apertura mayor el precio de los lentes se dispara significativamente.

Si no posees este tipo de lente, aun puedes conseguir buenos resultados aunque para ello necesitarás un espacio entre el sujeto y el fondo. Tener un fondo fuera de foco, ayuda a atraer la atención de tu audiencia hacia tu sujeto, evitando distracciones innecesarias. Si en cambio, también quieres mostrar el fondo detrás de tu modelo, utiliza aperturas más pequeñas.

¿Qué lente utilizar?

En el caso de que utilices un telefoto, una apertura grande no es necesaria, ya que automáticamente, el lente te lo proporciona. Los lentes largos son muy buenos ya que comprimen la imagen dándote excelentes resultados. Evita los gran angulares, ya que distorsionan la cara del sujeto y amplifican facciones tales como nariz y frente. Trata de utilizar lentes con un rango focal mínimo, como puede ser un 50mm en cámaras de sensor completo o un 35mm en cámaras con sensor APS

ISO

Selecciona el ISO más bajo que puedas, sin olvidar que la velocidad que necesitas es 1/100 de segundo o mayor. Utilizando el exposímetro de tu cámara puedes conseguir velocidades más altas ajustando el ISO , si las condiciones de luz, son bajas. Recordando que estarás utilizando una apertura grande, lo cual no debe ser ningún problema.

Atajo – Modo Prioridad de Apertura

Un tip que te puedo dar es utilizar Prioridad de Apertura. Durante una sesión fotográfica al aire libre, la luz cambiará frecuentemente, y necesitarás hacer los ajustes necesarios, ya sea el ISO o la velocidad (en mi caso no me gusta cambiar la apertura)

Cuando haces una sesión de retrato, fácilmente entrarás en ese estado de inmersión, en el cual trabajar en modo manual, donde tienes que ajustar los parámetros constantemente. Las probabilidades de perder buenas fotografías, debido a que olvidaste cambiar los parámetros es muy alta. Es frustrante cuando tienes la pose perfecta y te das cuenta que la imagen esta sobre expuesta o sub expuesta debido a que tenias uno o más parámetros mal.

Así que si eres de esas personas que olvidan o tienen problemas reajustando parámetros en cada toma, te recomiendo utilizar Prioridad de Apertura, elevando el ISO a 400, forzando así a tu cámara a utilizar velocidades altas. Solamente te recomiendo no utilizar ISO 100 con Prioridad de Apertura en condiciones de baja luz, ya que terminarás con imágenes borrosas.

Lugares Recomendados

1 – Cerca de una ventana

Por extraño que parezca, cuando analizas la luz en una habitación, ves lo mismo, ya sea al lado de la

ventana que en el lado opuesto, sin embargo, no es así, nuestro cerebro lo interpreta de manera que parece que en todo el espacio la luz se comporta de manera uniforme. Realmente entre más alejado estés de la ventana, menos luz existe, tus ojos no lo perciben así, pero tu cámara si.

La buena noticia, es que puedes utilizar esta luz de muchas maneras, luz de lado, de frente, puedes utilizar o no un reflector, en fin, tu decidirás. Algo muy importante, es que si los rayos de luz golpean directamente en la ventana, tendrás el problema de que la luz será muy dura, la solución es simple. Coloca una tela blanca lisa y esto suavizará la luz.

2 – Terraza Techada

Este es un buen sitio para realizar retratos en esos días soleados, cuando la luz es muy fuerte y genera sombras muy duras, que quizá no quieres, así que el realizar tus retratos bajo el techo de una terraza es una excelente idea.

3 – Sombrilla

Este es un buen tip para la playa o un día soleado, en esos que tomas la fotografía y la dureza de la luz, simplemente no le hace justicia a tu fotografía. Para esta situación es recomendable situar a tu modelo, bajo una sombrilla, ya sea en la playa, el campo o la ciudad la sombrilla funcionará como un difusor y podrás ver los diferentes resultados en tus imágenes.

Un paraguas, además de ayudarte a iluminar suavizando la luz, también te ayuda a proteger a tu modelo del sol y la lluvia. Es muy importante tener en cuenta, que el color del paraguas afectara los colores de tu imagen, es recomendable utilizar un paraguas de color neutro, blanco y negro, son muy buenas opciones.

4 – Bajo un puente, muelle o paso a desnivel

Estos son lugares que te ofrecen excelentes condiciones lumínicas y traen consigo, fondos muy interesantes. Y también puedes trabajar mientas esta lloviendo, hace mucho viento o un sol muy fuerte.

Puedes jugar con los elementos que te proporcionan estas locaciones, para crear composiciones muy interesantes, así como utilizar la dirección de la luz a tu favor.

5 – La sombra de un árbol

Si no eres una persona de playa, y prefieres o vives cerca de un bosque o un parque arbolado.   La sombra de los árboles es un excelente recurso para tener luz suave y difusa. Pide a tu modelo que se coloque bajo la sombra de un árbol y observa la luz en su rostro y déjate llevar, te aseguro que obtendrás fotografías excelentes.

6 – Cualquier día al amanecer o al atardecer.

Durante el día existen dos momentos, en los que no importa donde te encuentres, la luz es perfecta. Estos son el amanecer y el atardecer, cuando el sol está apareciendo u ocultándose en el horizonte. A estas horas la luz es muy agradable y apropiada para realizar retratos. Quizá ya sepas en que lugar crear tus imágenes, ahora es solo esperar el momento adecuado. Para mi el amanecer es mi favorito, pero implica un mayor esfuerzo, ya que para la mayoría de la gente la levantada y organizar sus mañanas es complicado.

7 – Un día Nublado.

Este es un excelente recurso, pero al menos en mi ciudad es un recurso limitado y hay que esperar que suceda, y solo en algunos meses del año. En un día nublado, el lugar y la hora no tienen límite, puedes hacer foto a cualquier hora y en cualquier parte, ya que las nubes actúan como un enorme difusor, suavizando las sombras.

 

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Fotografía de Flores

La primavera ha iniciado y con ella la época en que las flores comienzan a brotar, en algunos jardines. En esta ocasión, les escribo algunas recomendaciones para fotografías, plantas, flores y hongos. Algunos de estas recomendaciones son de técnicas básicas que algunos de nosotros conocemos, sin embargo no está de más dar un repaso.

  1. Lente recomendado

El lente ideal para crear fotografías de flores es un lente macro, el cual nos da la oportunidad de enfocar a muy poca distancia y de esta manera llenar el cuadro con la planta en cuestion o obtener resultados interesantes y que solamente se pueden realizar con este tipo de lente o con los adaptadores correspondientes como tubos de expansión o filtro de acercamiento por ejemplo el Canon 500D Close Up Lens, ambos nos ayudan a crear un efecto macro, pero nada como un lente especializado.

Algunas de las características de estos lentes es la profundidad de campo que es bastante pequeña normalmente hasta f/2.8 y en ocasiones hasta f/1.8, logrando que por ejemplo un pétalo de la flor esté en primer plano perfectamente enfocado y el siguiente ya esté fuera de foco. Es altamente recomendado, utilizar tripie y disparador remoto. Ya que un mínimo de movimiento, puede estropear la fotografía.

Si no cuentas con un lente macro o algunos de los accesorios mencionados anteriormente, es también posible realizar tus fotografías de flores y hongos con un lente zoom, por dos razones podemos llenar el cuadro con el sujeto (flor) y también tienes la capacidad de tener el fondo fuera de foco, los resultados no serán iguales, pero de cualquier forma puedes crear un estilo propio.

  1. Ángulos

La primera recomendación es no hacer tus fotografías desde arriba, ya que asi es como las vemos normalmente, haciendo tus imágenes poco atractivas. Por lo anterior, en caso de estar en el campo o en tu jardín, te recomiendo, agacharte o acostarte en el piso, colocando la cámara sobre un tripie pequeño, de esta manera tu punto de vista será diferente al que estamos acostumbrados, dando mayor interes a tus fotografías.

  1. La escena

No hay nada escrito en este sentido, una flor, algunas flores ó muchas flores. En ocasiones en el campo te puedes encontrar en un campo lleno de flores de la misma especie, lavanda, tajonal, girasoles, etc. Si capturas este tipo de escenas con el ángulo adecuado, perecerá infinito.

No olvides que aun en este caso o en el individual, es una buena idea agregar y segundo plano, fuera de foco, para darle más peso al sujeto principal donde este sujeto debe de estar totalmente enfocado.

  1. Fondo Blanco o Negro

En los anteriores párrafos he platicado la importancia del fondo como un elemento de suma importancia en la composición de tu fotografía. Sin embargo, una buena idea cuando tomas flores en interior es colocarlas frente a un fondo blanco o negro. Si utilizas un fono blanco tus fotos darán la impresión de póster y si es negro, lograrás un dramatismo adicional, para el fondo puedes utilizar una cartulina o foam board.

  1. Iluminación en interior

Las flores se iluminan perfectamente con solo la luz natural que atraviesa por una ventana, de preferencia que vea hacia el norte, trata de evitar la luz directa del sol, busca que la luz sea suave. Para rellemar las sombras es reconemdable utilizar un reflector, ya sea, blanco, plateado o dorado, según sea tu intención.

  1. El viento

Si estás creando tus fotografías en exterior, la visita inesperada del viento será inevitable en algún punto del día y esto se puede ser frustrante.

Existen varias soluciones para contra restar la presencia del viento. La más socorrida es tapar el viento con el cuerpo o la mano, sin embargo una recomendación cuando esto sea posible es programar la velocidad a un nivel superior a 1/250 de segundo, esto ayudará a congelar el movimiento.

Una herramienta que puedes utilizar el la llamada plamp, es un brazo de plástico con pinzas en ambos lados, en un lado para el tripie u otro objeto sólido y el el otro una pinza más suave para sostener el tallo de la flor.

Hay quienes con acrílico han creado una especie de caja protectora, que consta de tres lados y una tapa, dejando el frente de la caja abierta para la cámara

  1. Momentos

En un día soleado, es recomendable crear tus imágenes temprano por la mañana, o por la tarde al atardecer. Colocados a contraluz, con la flor tapando el sol, los rayos de sol iluminarán los pétalos .

En un día nublado, con el cielo totalmente cerrado las sombras son más suaves a consecuencia de que el sol está detrás de las nubes.

Después de la lluvia, este es de mis favoritos, ya que el cielo sigue nublado y las flores tendrán gotas en sus tallos y pétalos. En este momento, las flores presentarán los colores más vivos que nunca.

Crea tu propia lluvia o rocío, si la temporada de lluvia está lejos o simplemente quieres hacer estas fotografías, llena de agua una botella atomizadora y dispárala sobre las flores, hasta tener la cantidad y tamaño de las gotas que quieres.

 

“Las Doñas” Doña Martha y Don José Luis

 

Nombrada asi, en agradecimiento a mis padres, es hasta hoy, la pieza más ambiciosa de mi carrera como artista visual. Forma parte de mi reciente colección “Las Doñas” colección representa el incio en la conversión de mis fotografías en arte-objeto, integrando elementos tridimensionales a mis imágenes.

 

Para la creación de esta puerta recorrí 1,880 km, lo que se traduce en 21.49 horas de carretera, dos “no” y finalmente un “si” de la dueña del predio en que la localicé, quien amablemente accedió a venderme las argollas y el candado original de su puerta.

 

La imagen de Doña Martha (la puerta), está compuesta por nueve fotografías en tres secciones, al tomarlas utilicé la técnica HDR o braqueteado, tres exposiciones con un paso de diferencia, con el fin de poder captar las texturas de la madera de la puerta, posteriormente en mi taller, las uní en Photoshop en el proceso de panorama, obteniendo finalmente una imagen de 203 cm de altura por 108 cm de ancho. Lo anterior la convierte la impresión en Canvas Crystalline (Satinado) más grande que haya impreso en Arte-Print hasta hoy. Seleccioné este tipo de canvas debido a que tiene certificación por 100 años antes de comenzar a perder color, sustentando la clasificación de calidad museográgica.

 

Al igual que las demás piezas de esta coleción, es una obra única, ya que los elementos tridimensionales de las puertas, pertenecíeron originalmente a cada puerta.

 

Por lo general, mis series son de 16 y 4, lo que hace a “Las Doñas” la colección más exclusiva que haya creado hasta ahora.

 

Don José Luis, es también una pieza muy peculiar, es una clásica bicicleta Windsor, reconstruida fabricada con piezas de seis bicicletas, fue en ensablada en el taller del mecánico de bicicletas conocido como “Azulito”.

 

¿Por qué una bicicleta? Un día que estaba explorando, en búsqueda de puertas, entre otras tantas, tomé unas serie de fotografías de esta puerta, al regresar y analizarlas en mi computadora, en algunas de las imágenes, aparecía gran parte de la llanta trasera de una bicicleta, entonces, me obsesioné con la idea de tener una bicicleta en mi obra y la manera en la que logré materializar esa idea, fue con una bicicleta completa frente a la puerta.

 

Como muchos saben, el enmarcado para mi, es de vital importancia, ya que el marco puede realzar o minimizar el impacto visual de una obra.   Para esta parte tan importante, desde hace un par de años para este tipo de impresiones, vengo trabajando con el maestro Liborio Cortés, en la creación de mis marcos y es él quien hace que mis fotografías luzcan increíbles. Para Doña Martha decidimos construir el marco en tipo caja veneciana, con polines de construcción, que es el material que enmarca la puerta origina, así que me dí a la tarea de conseguir 3 polines perfectamente imperfectos, que lograran el aspecto y el sentimiento de buscaba, una vez ya con ellos en mi poder, se los lleve al maestro Liborio para que les de el tratamiento que considere pertinente.

 

Composición Fotográfica

 

¿Cuál es la diferencia entre una buena y una excelente fotografía? Suponiendo que la exposición y el enfoque son correctos, y los colores han salido a la perfección al imprimirla, hay una serie de elementos de los hablamos continuamente al observar una fotografía: Estos elementos, se resumen a lo que llamamos “Composición”. Y dependiendo de con quien lo discutamos, existirán puntos de vista y reglas diferentes, he aquí, algunos de ellos.

Centro de interés

Cada imagen tiene o debe de tener un centro de interés. El centro de interés es lo que nos hace hace entender de que trata la fotografía, tu mascota, el castillo de Tulum, las olas, etc.

Aunque lo llamamos centro de interés, no tiene que estar en el centro de la fotografía ni debe de ocupar el mayor espacio en ella.

La selección de tu centro de interés es para mi, la decisión más importante al componer una fotografía, es a partir de este elemento, que controlarás el mensaje que quieres transmitir con tu imagen.

Rellena el cuadro

Si quieres transmitir algo con una imagen, ocupa el mayor espacio posible con ese algo, asegurándote asi que ese es el centro de atención. Es muy común querer sacar demasiadas cosas en una fotografía, muchas veces, perdiendo con esto, la escencia del mensaje que queriamos transmitir, debido a la gran cantidad de elementos dentro de nuestra fotografía. Si tienes duda de que si algo debe o no debe estar en tu foto, la recomendación es, eliminalo.

Líneas

La líneas son elemtos de gran importancia en las artes visuales. Son las responsables de dar forma a las cosas, de mostrar contornos, con ellas podemos transportar a nuestros espectadores de una parte a la otra de la fotografía, ya sean convergentes o paralelas, diagonales, horizaontales o verticales, nos aportan significado a los elementos, crean sensaciones de distancia y profundidad, en fin, experimentar con ellas es un gusto.

Flujo

Con flujo, me refiero a la manera en que la mirada del espectador explora una fotografía, yendo de una parte a otra. Con el flujo, creas una sensación de movimiento o la ausencia de él. Por lo general lo creas utilizando las línea a veces obvias, otras no tanto, que existen en tu fotografía. Las líneas diagonales son consideradas las que tienen mayor dinamismo, mientras que las horizontales y las verticales se consideran más estáticas. Si logras balancealos elementos estáticos y dinámicos de tu imagen, esta tendrá un sentido de movimiento global y tendrás una imagen extraordinaria.

Dirección

Muy similar al flujo, tiene también la caractarística de crea la ilusión de movimiento. Si en una fotografía hay algo que parece estar en movimiento, definitivamente tiene una dirección hacia la que se está desplazando. Por ejemplo, una persona a punto de atravesar la calle, podemos imaginarla haciendolo un instante después. La imagén de la parte delantera de un automovil, a nuestra mente viene de inmediato la ilusión de ver la parte de atrás.

Repetición

El repetir elementos, como aves, manadas de animales, una copa llena de dulces, etc. Nos dan un sentido de relación entre los sujetos o elemento. Por ejemplo, una parbada de aves, viajando en “V” o alguna otra forma interesante, esto además de la relación, puede agregar líneas y un sentido de dirección. Psicológicamente puede ofrecernos un sentimiento de colaboración, de familia, o amistad.

Colores

Los colores siempre expresarán algo, los dividimos en cálidos y fríos. Los colores calidos son los rojos, naranjas y amarillos. Los colores fríos son los azules, verdes y violetas.

Existen muchos factores psicológicos relacionados los colores. Por ejemplo, los azules se consideran colores que transmiten paz, tranquilidad, mientras que lo rojos son más vida, intensidad. El color es determinante a la hora de componer una imagen, exite mucha literaruta al respecto, un ejercicio que puedes hacer, es analizar tus fotografías favoritas y ver si tienen un patrón de color definido.

Cuando hablamos de colores no debemos de olvidar el contraste tonal.  El cual, se de define, como la diferencia de luminosidad entre las partes más claras y más oscuras de nuestra fotografía.

Grupos de Tres

En la fotografía, existe una percepción especial hacía los números impares, especialmente el número tres.   Es algo díficil o mejor dicho imposible de explicar, pero fácil de sentir o percibir. Ya sea, en alimentos, macros, etc, el número tres suele funcionar perfectamente como centro de interés.

Espacio Negativo

Llamamos espacio negativo a los grandes espacios vacíos en nuestras imágenes, muchas veces son blancos o negros, pero puede ser un cielo enorme carente de nubes o áreas de la fotografía sin sentido, que no aporten a ella incluso le restan.

Sin embargo, el espacio negativo, nos permite transmitir sentimientos adicionales de aislamiento, soledad o tranquilidad en una escena. Es un recurso que no se utiliza frecuentemente, sin embargo, es importante tenerlo en cuenta aunque está en contraposición de Rellenar el Cuadro. Son simplemente dos maneras de componer diferentes que dan mensajes únicos.

Tres planos

El contenido que presentes al frente y atrás de tu sujeto, son de suma importancia. Los colores, las lineas y las texturas son elementos compositivos que aportan mucho a la historia de tu imagen, lo importante aquí es que los elementos que presentes, tanto en el frente como en el fondo, no distraigan la vista de tu espectador del punto de interés.

La herramienta más adecuada para marcar tanto la diferencia de el frente como de el fondo es la profundidad de campo. Gracias a la apertura del diafragma que hayas decidido emplear a la hora de crear tu fotografía, lo cual te permite conseguir mayor o menor nitidez en el fondo.

Enmarcado

Muchas veces al componer una fotografía existen elementos en la escena que te permiten de manera natural, enmarcar tu centro de interés. Algunos de ellos, son muy fáciles de indentificar, ya que tapan, por comleto alguna parte de la foto, estas suelen ser, ventanas, puertas, arcos, puentes, etc.

Algunos más se manifiestan de manera menos clara, simplemente dirigiendo nuestra mirada. Tal es el caso de ramas, señales de tráfico, etc. En resumen, cualquier elemento que ”enmarque” el centro de interés dirigiendo la atención de espectador hacía el elemento deseado.

Curvas en forma de “S”

Estas son un elemento muy utilizado en la fotografía, ya que lo relacionamos con la sensualidad, también te da la sensación de movimiento y ayuda a dirigir la mirada y explorar la imagen.

En la naturaleza y la vida cotodiana podemos encontrar este elemento recurrentemente, el cauce de un río o canal, una carretera, etc.

Peso de las Imágenes

El peso visual es la capacidad que tiene un elemento de atraer la mirada del espectador. Más peso, igal a mayor atracción.

Factores que hacen que algo tenga más peso

Tamaño. Un elemento grande, siempre tendrá más peso que uno pequeño.

Tamaño

Posición. Un elemento en una posición baja tiene más peso que uno en posición alta, aunado a esto un elemento en el lado derecho tiene más peso que uno en el lado izquierdo.

Posición

Distribución. Un elemento aislado tiene más peso que si está dentro de un grupo.

Distribución

Textura. Un elemento con textura, tiene más peso que uno que no la tenga, es decir un elemento liso.

Textura11.51.11

Forma. Lar formas regulares, geométricas, cerradas y/o reconocibles tienen más peso que el resto de las formas.

Forma

Color. Los colores cálido tienen más peso que los fríos, asi también los saturados pesan más que los no saturados, y por último los obscuros más que los claros.

Colores 1

Colores 2

Colores 3

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Forma. Lar formas regulares, geometricas, cerradas y/o reconocibles tienen más peso que el resto de las formas.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Color. Los colores cálido tienen más peso que los fríos, asi también los saturados pesan más que los no saturados, y por último los obscuros más que los claros.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Textura. Un elemento con textura, tiene más peso auq uno que no la tenga, es decir un elemento liso.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Forma. Lar formas regulares, geometricas, cerradas y/o reconocibles tienen más peso que el resto de las formas.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Color. Los colores cálido tienen más peso que los fríos, asi también los saturados pesan más que los no saturados, y por último los obscuros más que los claros.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Introducción a la Fotografía de Alimentos Parte 3

 

  1. Reflectores Caseros

 

Una visita a tu papelería más cercana, será sufuciente para complementar tu equipo de iluminación, Un par de pliegos de foam board, de preferencia blanco de un lado y negro del otro, un cutter, funtak de Pritt y un par de porta libros. Y de tu alacena un poco de papel aluminio, es lo que necesitas para crear tus reflectores hechos en casa y como mantenerlos en su lugar.

 

  1. Computadora con capacidad Tethered

 

En mi caso utilizo el EOS capture que viene como parte del sofware de Canon. Lightroom es compatible con algunas cámaras Canon, Nikon y Leica. Capturar tether significa que la imagen pasa directamente de la cámara a la computadora, permitiéndonos esto un mejor control sobre la imagen que estamos creando, en el caso de la fotografía de alimentos, tether es una herramienta muy valiosa ya que en este tipo de fotografía, se requiere de disparar, observar y repetir, y esto es mucho más facil, si tienes la posibilidad de evaluar tus imágenes en una pantalla de computadora en lugar de hacerlo a través de la pantalla de tu cámara.

 

  1. Verificador de Color

 

Una herramienta como Color Checker Passport, MacBeth ó Expodisk es crucial. Un verificador de color es importantísimo, sobre todo, si creas tu toma con luz natural o con la luz disponible en el lugar de la sesión, ya que en muy pocas ocasiones, será igual a los balances de blancos de tu cámara. Y nada se ve tan poco apetecible, como una rebanada de helado de vainilla con tono verde.

 

  1. Luces de Estudio

 

Estas pueden ser muy caras o relativamente baratas, todo dependerá de que tanto trabajo hagas y que tanto te gusta trabajar con equipo de iluminación. Algo que debes de tener en mente, es que existen infinidad de modificadores de luz para cada sistema. Un estudio típico consta dos o tres lámparas y sus modificadores para dirigir la luz, como snoots, rejillas y una caja de luz de relleno, que colocamos exactamente sobre los alimentos o en la parte poseterior. Sin embargo, es totalmente posible crear estupendas fotografías, con luz natural y equipo básico.

 

Todo dependerá de, si quieres hacer una carrera como fotógrafo de alimentos, pues necesitarás más equipo , sin embargo, para un inicio y aprender lo básico, lo que te presenté en este artículo será suficiente.

Introducción a la Fotografía de Alimentos Parte 2

 

Mejoralo.

Una manera de mejorar la apariencia de algunos alimentos es darles una pasada con una brocha con aceite vegeta.

Baja la cámara.

Un error comun es tomar la fotografía directamente desde arriba, aunque esto puede funcionar en ocasiones. En la mayoría de los casos obtendrás una mejor toma haciéndola cercana al nivel del plato o ligeramente arriba.

Macro.

Enfocandote en solamente una parte del platillo puede ser una manera efectiva de destacar diferentes elementos de él.

Vapor.

Un poco de vapor, saliendo de tu comida puede darle esa sensación de “recien hecho” una sensasión que a muchos fotógrafos les agrada. Esto no es facil de lograr de manera natural. Una forma puede ser calentando torundas de algodón remojadas en agua y calentarlas en el microondas, Colocar un incienso o cerillos recien apagados.

Equipo Básico para Fotografiar Alimentos

Muchos de los fotógrafos que conozco, son fanáticos del equipo, les encanta hablar de equipo, tener lo último en equipo, hablar de él. Yo no soy mucho de ello, soy más de mantener las cosas simples en mi trabajo, asi que les presento una lista de equipo para iniciar de manera sencilla.

  1. Cualquier cámara digital

La cantidad de megapixeles, si de sensor grande o recortado, no es prioritario. Lo importante, es que te sientas a gusto con tu cámara. Pentax, Sony, Fuji, Olymous, fabrican muy buenas cámaras, sin embargo, Canon y Nokin, son las que tienen más usuarios asi como una amplia gama de accesorios, lo cual te puede ser importante algún día. Por otra parte si algún día quieres comprar una mejor cámara estas dos márcas tienen un mejor valor de reventa.

  1. Lente Macro

 Los lentes macro de marca como Canon y Nikon, son definitivamente la mejor opción, aunque son más caros, existen otras alternativas como lentes de marcas con Sigma y Tamron, tambien tenemos los filrtos macro que se atornillan al frente de un lente común, estos presentan por lo general deficiencia cuando hablamos de nitidez y profundidad de campo. Mi lente favorito para realizar macros de comida es el Canon 100mm f/2.8 Macro.

 

  1. Un Buen Tripie

En el entendido de que la fotografía de alimentos es un proceso en el cual vamos construyendo una mimagen y que tenemos que realizar varios disparos de prueba, un tripie robusto es indispensable. Uno de las especificaiones que debes de tener en cuenta es la altura mínima de tu tripie, la altura común de una mesa de restaurante es de aproximadamente 75 cm. Mi tripié favorito en un Gitzo Serie 2, con Cabeza Acratech Ultimate, este me pemite la movilidad necesaria con un tripie ligero y estable.

 

Modos de Flash Manual contra TTL

 

¿Qué es el Modo TTL?

 

Las siglas TTL provienen del inglés Through The Lens, este modo funciona de la siguiente manera, el flash hace un pre-destello y la medición de la exposición que produce éste sobre la imagen, es recibido a través de tu lente. Posteriormente, la cámara y el flash, calculan la intensidad precisa a la que deberá emitirse en el destello final, esto se genera en milisegundos, para lograr una exposición correcta de la escena. De este modo, no es necesario realizar cálculos sobre el número guía de tu flash, tomar en cuenta la potencia a la que estás disparando, la distancia al sujeto que quieres ilumunar, el uso de modificadores de la luz, filtros, etc., en modo TTL tu flash realiza todos estos cálculos en base pre-destello y determina la potencia exacta a la que el destello final se requiere para una exposición perfecta. A pesar de lo increíble que suena el modo TTL existen situaciones en las que el modo Manual es una mejor alternativa.

 

Características del Modo Manual

  • Te da el mayor control posible, en cuanto a la intensidad que emite el flash.
  • Es el modo adecuado para aprender sobre iluminación: intensidad cobertura, calidad, dirección de la luz, etc.
  • Es posible emplearlo con cualquier modelo de flash y cámara (ya que no es necesario un tipo de comunicación específico entre ellos).
  • Te permite obtener el máximo nivel de potencia de tu flash.
  • Es el modo más apropiado cuando no hay variación de distancia entre sujeto y el flash.
  • El comportamiento de la luz es mucho más predecible que con TTL.
  • Si se deseas disparar de manera inalámbrica, los sistemas de comunicación disponibles son mucho más económicos.

 

Características del Modo TTL

  • Aunque el control se delega al sistema, tioenes la posibilidad de compensarla intensidad para ajustarla al resultado que estás buscando.
  • Para su funcionamiento, es indispensable que cámara y flash que sean compatibles y que tengan esta función.
  • La emisión de los pre-destellos hace que la potencia final se reduzca, aunque no significativamente.
  • Cuando se emplean modificadores, filtros, difusores, etc. El flash realiza los cálculos teniendo en cuenta estos aspectos sin ningún problema.
  • Es un sistema apropiado para situaciones en las que la distancia enre el flash y el sujeto no son constantes.
  • Si se desea disparar de forma inalámbrica, los sistemas de comunicación existentes resultan más caros.

 

Conclusión: si tienes tiempo para preparar la toma y ajustar la iluminación de la imagen, no lo dudes, dispara en manual. Lograrás exactamente el resultado que deseas (quizás no a la primera) y, lo mejor de todo, irás adquiriendo un mayor dominio de la iluminación artificial, que te ayudará a ser cada vez más rápido y preciso.

HDR Parte 2

 

Como crear una imagen HDR

Antes de embarcarte en la misión de crear una alucinante imagen en HDR, necesitarás algunas cosas. Para mejores resultados, esto es lo que te recomiendo:

  1. Cámara, preferentemente con la función Exposiciones Multiples, la cual no es indispensable, pero sin ella, tendrás que ajustar los parámetros de tu cámana manualmente para cada disparo, lo que incrementa las probabilidades de que muejas tu cámará, toma más tiempo, haciendo posible que tu sujeto se mueva o cambié de posición. Si tus fotografías no se puedes alinear, lo que ocasionarpia que tus HDR se vean raras.
  2. Tripíe u otro medio de estabilización. Puedes hacerlo a mano libre, incrementando asi las posibilidades de que tus imágenes no se piedan alinear, asi que un tripie es altamente recomendado. Aunque esxisten algunos programas de HDR que tienen funciones de alineación de imágenes, no siempre trabajan perfectamente.
  3. Programa para mezclar fotografías HDR, existe una variedad de programar para realizar este tipo de trabajo, sin embrago el consenso general entre la comunidad de fotografos HRD parece ser Photomatix Pro, ya que es rápido, poderoso y tiene muchas funciones, pero estas tienen un costo $39 usd, por el paquete esencial y $99 por la version profesional. Sin embargo, si quieres solamente echarte un clavado y conocer bien esta técnica Luminance HDR, es un software gratuito, que te dará una buena idea de lo que es HDR y es un excelente inicio.

Una vez que hayas reunido tu equipo, llegó el momento de salir a buscar tus increíbles impagenes.

  • Debido a la naturaleza de HDR y Exposiciones Multiples, probablemente no puedas captar a un sujeto en movimiento facilmente. HDR, simprmente no estar hecho para cosas en movimiento. Quietud, es el nombre del juego, las mejores imágenes vienen de escenas que no cambian drásticamente en periodos de 5 a 10 segundos.
  • Trata de encontrar escenas con sujetos que tengan un contraste notable entre areas claras y obscuras. Este es el tipo de disparos que se benefician más en el procesamiento de HDR.
  • Dispara en RAW, ya que JPEG utiliza una compresión muy alta perdiendo notablemente detalle en tus fotografías.

Sobre todo, recuerda, que estas recomendaciones son solo eso, asi que no dejes que estas recomendaciones interfieran con tus impulsos artísticos. Experimenta lo más que puedas y comenzarás a sentir y desarrollar tu propio estilo en imágenes HDR.

Fotografía HDR (Alto Rango Dinámico) Parte 1

 

¿Has tratado en alguna ocasión de fotografíar una escena con alto contraste, y simplemente encontrar que tu imagen no le hace justicia? Esto no es de procuparte, aun fotografías tomadar con la exposicipon perfecta, hay imágenes que tienden a volarse en las altasluces, aplanarse en las sombras o ambas. Pero a pesar de que es practicamente imposible encontar el justo medio en este tipo de situaciones, existe una manera de solucionar este viejo dilema, y es utilizando el proceso llamado HDR (High Dynamic Range por sus siglas en inglés), Alto Rango Dinámico ó coloquialmente también llamado como Braqueteo.

¿Qué es HDR?

Es simplemente la diferencia entre lo más iluminado y lo más obscuro que puedes capturar en una fotografía. Una vez que tu sujeto excede el rango dinámico de tu cámara, las partes más iluminadas tienden a volverse blancas y las obscuras se convienten en manchas negras. Es muy difícil crear una fotografía que capture fielmente ambos extremos del espectro, pero con técnicas actuales de fotografía y software avanzado de post-procesamiento, los fotógrafos han ideado maneras de lograrlo. Esto es lo que HDR basicamente es: un estilo de fotografía con un inusual Rango Dinámico, que de notra manera serpia imposible de lograr con una sola fotografía.

Seguramente has visto este tipo de imágenes en el internet. Dependiendo de cómo fueron procesadas, las fotografías en HDR, puenes ser reproducciones extraordinariamente precisas de lo que ven tus ojos o tener una apariencia surrealista realmente alucinante, transformando lo real en un sueño de alta definición.

¿Cómo funciona?

En su forma más sencilla, una fotografia HDR se compone de dos (tres o hasta nueve), fotografías tomadas con diferente nivel de exposición, después de combinan en un sofware especial para crea una mejor fotografía. Idealmente tomas una serie de imágenes de la misma escena con difenerte exposición (braqueteadas), esto es cambias, la velocidad y/o la apertura, con el fin de obtener imágenes con variaciones en la iluminación y la profundidad de campo. Posteriormente con la ayuda de sofware especializado como Photomatix Pro tienes la capacidad de mezclar tus fotografías y creau una imagen, con el mejor enfoque, bien iluminada y zonas bien coloridas.

 

Blanco y Negro Parte 4

 

Creación de impacto emocional, utilizando tinte

En la época de la fotografía análoga en el proceso de blanco y negro le daban un tono a las fotos. Lo anterior se lograba mediante la inmersión de la impresión en una solución especial, para darles tonos dorados, sepia, cyan, etc.

Dos de las razones para realizar este tipo de proceso en revelado convencional, pueden ser:

Estéticas, para crear un atmósfera o sentimiento que el fotógrafo quiera transmitir. Por ejemplo, retratos o atardeceres se pueden beneficiar con un calido café o incluso tono rojizo, cuando en cambio escenas nevadas o nocturnas tienden a verse mejor con tonos de azul.

Utiliza tonos moderadamente, que sea, para realzar tu sujeto.

Protección, algunas substancias convientren o cubren la impresión, de manera que le dan mayor resistencia a los contamienantes externos.

En el revelado e impresión digital, el darle tono a tu fotografía es solo un asunto de atmosfera. En el aspecto de la protección, existen barnices que se pueden aplicar en algunos sustratos, como el papel algodón que incrementan la protección UV y por consiguinete la durabilidad de la impresión.

Impresor o laboratorio esspecializado

     Esto realmente depende de que es lo que buscas con tu imagen final. Puedes imprimir tu fotografía blanco y negro en tu tienda más cercana, el problema es qu eellos no están produciendo una imagen impresa en Blanco y Negro puro.

Están creando una imagen a color con tonos Blanco y Negro.

Es por eso que frecuentemente encontraras un sesgo en el color, Si estás buscando una imagen impresa en Blanco y Negro Puros con todo el rango tonal y en papel de calidad museográfica, te recomiendo buscar un impresor o laboratorio especializado, como lo es Arte Print. www.arte-print.com

La naturaleza museográfica y de conservacion de las impresiones en Blanco y Negro

     La fotografía Blanco y Negro es conocida por su longevidad. Una impresión en Blanco y Negro elaborada con el proceso correcto tiene un potencial de vida superior a los 100 años. Fabricantes de impresoras de inyección de tinta como EPSON, respaldan este tipo de afirmaciones, que aunque lo hacen con sus propias pruebas. Las impresiones Blanco y Negro han demostrado soportar el paso del tiempo.

La recomendación para que tus fotografias soporten el paso del tiempo, son:

  • Imprimir con los materiales y en los sustratos adecuados.
  • Colocar suempre protección UV, barniz o vidrio.
  • Mantenerlas en un clima controlado, el óptimo es 20°C y humedad relativa del 30% al 50%.
  • Utilizar materiales libres de ácido, adhesivos, marialuisas y soportes
  • Evitar la luz directa del sol.