Recomendaciones para comprar un lente nuevo

 

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32mm f/16
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200mm f/3.2
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100mm F/2.8 Macro
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24mm f/5
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300mm f/5.6
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28mm f/22 20 seg
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10mm F22 1/13 seg

El año inicia y con él, quizá el proposito de adquirir uno o si es posible, varios lentes nuevos para tu cámara. Cuando uno anda en busca de nuevo equipo fotográfico es claridad a la hora de tomar la decisión. Por ejemplo ¿cuánto gastar? ¿en qué medida está mejorando mi equipo fotográfico? ¿mejorará la calidad de mis imágenes? Etc.

 

  1. Presupuesto

Todos tenemos un presupuesto diferente, y de este, dependerá, los lentes a considerar. Cual sea tu presupuesto mantenlo presente, mientras lees este artículo, quizá veas las cosas desde una perspectiva diferente al terminarlo.

Mi punto de vista es el siguente, tener la menor cantidad de lentes de buena calidad posibles. En pocas palábras, no compres equipo de más. De acuerdo a tu proyecto fotográfico personal, comienza haciendo una lista de los lentes que idealmente te gustaría tener en el mediano y largo plazo y en base a este, el lente que tienes en mente, ¿forma parte integral del plan?

 

  1. Sensor de cuadro completo o APS-C

Algunos de los fabricantes ofrecen ambas opciones en el tamaño del sensor. Lo que en ocasines hace la compra de un lente un poco más complicada.

Idealmente, deberías de decidir esto al comprar tu primera cámara y continuar con el tamaño del sensor que elegiste en el futuro. Esto simplificará tu proceso de compra, reduciendo la confusión.

 

  1. Distancia Focal

Puedes creer que tener un set de lentes todo propósito es coleccionar lentes que abarquen todas las distancias focales posibles. Por ejemplo, al comprar una cámara puede venir con un lente 18-55mm, tu pensamiento inmediato puede ser mi siguiente lente, debe ser un 55-250mm ó 70-300mm y asi sucesivamente, de esta manera, no perderás ninguna distancia focal.

Esto no es del todo cierto, en el siguiente punto te explicaré un más de cómo pensar acerca de lentes.

 

  1. ¿Qué es lo que vas a fotografiar?

Continuando con el ejemplo del lente 18-55mm, quizá podrías considerar las siguiente opciones como segundo lente: Canon 50mm fijo como un lente para retrato (dados los beneficios de una imagen de alta calidad y su apertura), Canon 100mm Macro fijo para tomar flores e insectos, un 500mm para hacer fotografías de vida salvaje y deportes o un 20mm para crear paisajes.

La clave es que la elección de tu lente, debe de ir en estrecha relación con el sujeto. El sujeto siempre en primero. Una vez que sepas lo que quieres fotografías, puedes elegirl el mejor o los mejores lentes para ese trabajo, de alli la distancia focal es el siguiente paso.

En otras palabras, no compres un lente por que crees que lo debes de tener, compralo por que realmente lo necesitas.

 

  1. Calidad del Lente, Resistencia al Agua y Auto Enfoque.

La mayoría de los fabricantes ofrecen lentes de bajo, medio y alto costo. Los lentes económincos, pueden parecer una ganga, comparados con lo de mayor rango, sin embargo su contrucción es de menor calidad, como por ejemplo la calidad del vidrio, la velocidad y el ruido del motor de auto enfoque.

Por el otro lado, los lentes más caros, están mejor construidos, tienen mejores componentes, desde el mismo cuerpo, el vidrio, el motor, e incluso, algunos vienen sellados para soportar.

 

  1. ¿Lente Fijo ó Zoom?

El principal beneficio de un lente zoom en la conveniencia. Si eres un fotografo de boda o quieres tomar fotos de un evento familiares mucho más fácil hacer zoom desde un gran ángular hasta un tele foto cuando lo necesitas que cambier de lente. Si eres un fotógrafo de paisaje, es mucho más sencillo utilizar un zoom gran angular par alograr el encuadre preciso, que cambiar lentes fijos. (o quizá las condiciones de ubicación y del ambianete no lo hacen posible)

Los beneficios de un lente fijo son calidad de imagen y mayor apertura. Compara un 18-55mm cuya apertura máxima es tipicamente f/5.6 con un 50mm fijo que tiene una paretura máxima de 1.2. Esta diferencia de cuatro pasos permite una entrada de luz a tu cámara 16 veces mayor., lo que te permite entre otras cosas tomar fotografías con el fondo borroso asi como crear imágenes en condiciones de poca luz sin tener que subir mucho el ISO. Es po lo anterior que el 50mm fijo es mejor lente que el 18-55mm para hacer retrato (regresando al punto de que la elección de un lente debe de ser hecha en base al sujeto, no a la distancia focal)

Algunos fotógrafos prefieren lentes fijos y otros lentes zoom, reflexionar sobre tus prioridades te ayudará decidir cual es mejor para ti.

Si eres por ejemplo un fotpografo de paisajes quien siempre dispara con aperturas que oscilan entre f/8 y f/16, las aperturas mayores que te ofrecen los lentes fijos pueden ser irrelevantes y un lente zoon es probablemente tu mejor alternativa

 

  1. Peso y Dimensión

Estos dos factores son importantes, ya que los estarás llevando de un lado a otro. Sin embargo, al hablar de tamaño no olvides los filtros. En este rubro puedes ahorarte mucho dinero, comprando lentes más pequeños. Por ejemplo, compara el mismo filtro polarizador para un lente con diametro de 58mm y uno de 77mm. Si eres un fotógrafo de paisaje, puedes ahorarrte miles de pesos.

 

  1. Marca del lente

Puedes ahorar dinero comprando un lente de una marca alternativa como son Tokina, Sigma ó Tamron. En mi opinión, es mejor comprar un lente hecho por el fabricante de tu cámara, siempre que te sea posible. A menos que tengas un motivo especial para comprar un lente de una marca alternativa. Por ejemplo aunque yo soy un usuario Canon, para mi trabajo subacuático me gusta utilizar un lente Tokina 10-17mm, que, en la opinión de varíos fotógrafos subacuáticos que conozco, es uno de los mejores lentes para ets e uso. Lo lentes OEM por sus siglas en inglés (Original Equipment Manufacturer)

 

  1. Estabilización de Imagen

El estabilizador de imagen, en un pequeño motor dentro de el lente, que mueve los elementos de manera que compensa el movimiento que se crea en la cámara a la hora de tomar una fotografía. Sa este movimiento los fabricantes le han llamado de diferenres formas( Nikon VR reductor de vibración, Canon IS Estabilizador de Imagen). Este mecanismo te ayuda a tomar fotografías en condiciones de poca luminosidad, utilizando ISO bajo, o aperturas pequeñas, que de otra forma no serían posibles. Los lentes con estabilizadores de vibración, son un poco más costosos que los que no cuentan con ellos, piensa bien, si lo necesitas o no, antes de pagar dinero extra.

* Algunos fabricante, como Sony o Pentax, tienen su estabilizador de imagen enla cámara no en los lentes.

Espero que estos artículos te ayan ayudado a tomer una mejor decisión para realizar la compra detu siguiente lente.

 

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Introducción a la Fotografía de Alimentos Parte 3

 

  1. Reflectores Caseros

 

Una visita a tu papelería más cercana, será sufuciente para complementar tu equipo de iluminación, Un par de pliegos de foam board, de preferencia blanco de un lado y negro del otro, un cutter, funtak de Pritt y un par de porta libros. Y de tu alacena un poco de papel aluminio, es lo que necesitas para crear tus reflectores hechos en casa y como mantenerlos en su lugar.

 

  1. Computadora con capacidad Tethered

 

En mi caso utilizo el EOS capture que viene como parte del sofware de Canon. Lightroom es compatible con algunas cámaras Canon, Nikon y Leica. Capturar tether significa que la imagen pasa directamente de la cámara a la computadora, permitiéndonos esto un mejor control sobre la imagen que estamos creando, en el caso de la fotografía de alimentos, tether es una herramienta muy valiosa ya que en este tipo de fotografía, se requiere de disparar, observar y repetir, y esto es mucho más facil, si tienes la posibilidad de evaluar tus imágenes en una pantalla de computadora en lugar de hacerlo a través de la pantalla de tu cámara.

 

  1. Verificador de Color

 

Una herramienta como Color Checker Passport, MacBeth ó Expodisk es crucial. Un verificador de color es importantísimo, sobre todo, si creas tu toma con luz natural o con la luz disponible en el lugar de la sesión, ya que en muy pocas ocasiones, será igual a los balances de blancos de tu cámara. Y nada se ve tan poco apetecible, como una rebanada de helado de vainilla con tono verde.

 

  1. Luces de Estudio

 

Estas pueden ser muy caras o relativamente baratas, todo dependerá de que tanto trabajo hagas y que tanto te gusta trabajar con equipo de iluminación. Algo que debes de tener en mente, es que existen infinidad de modificadores de luz para cada sistema. Un estudio típico consta dos o tres lámparas y sus modificadores para dirigir la luz, como snoots, rejillas y una caja de luz de relleno, que colocamos exactamente sobre los alimentos o en la parte poseterior. Sin embargo, es totalmente posible crear estupendas fotografías, con luz natural y equipo básico.

 

Todo dependerá de, si quieres hacer una carrera como fotógrafo de alimentos, pues necesitarás más equipo , sin embargo, para un inicio y aprender lo básico, lo que te presenté en este artículo será suficiente.

Introducción a la Fotografía de Alimentos Parte 2

 

Mejoralo.

Una manera de mejorar la apariencia de algunos alimentos es darles una pasada con una brocha con aceite vegeta.

Baja la cámara.

Un error comun es tomar la fotografía directamente desde arriba, aunque esto puede funcionar en ocasiones. En la mayoría de los casos obtendrás una mejor toma haciéndola cercana al nivel del plato o ligeramente arriba.

Macro.

Enfocandote en solamente una parte del platillo puede ser una manera efectiva de destacar diferentes elementos de él.

Vapor.

Un poco de vapor, saliendo de tu comida puede darle esa sensación de “recien hecho” una sensasión que a muchos fotógrafos les agrada. Esto no es facil de lograr de manera natural. Una forma puede ser calentando torundas de algodón remojadas en agua y calentarlas en el microondas, Colocar un incienso o cerillos recien apagados.

Equipo Básico para Fotografiar Alimentos

Muchos de los fotógrafos que conozco, son fanáticos del equipo, les encanta hablar de equipo, tener lo último en equipo, hablar de él. Yo no soy mucho de ello, soy más de mantener las cosas simples en mi trabajo, asi que les presento una lista de equipo para iniciar de manera sencilla.

  1. Cualquier cámara digital

La cantidad de megapixeles, si de sensor grande o recortado, no es prioritario. Lo importante, es que te sientas a gusto con tu cámara. Pentax, Sony, Fuji, Olymous, fabrican muy buenas cámaras, sin embargo, Canon y Nokin, son las que tienen más usuarios asi como una amplia gama de accesorios, lo cual te puede ser importante algún día. Por otra parte si algún día quieres comprar una mejor cámara estas dos márcas tienen un mejor valor de reventa.

  1. Lente Macro

 Los lentes macro de marca como Canon y Nikon, son definitivamente la mejor opción, aunque son más caros, existen otras alternativas como lentes de marcas con Sigma y Tamron, tambien tenemos los filrtos macro que se atornillan al frente de un lente común, estos presentan por lo general deficiencia cuando hablamos de nitidez y profundidad de campo. Mi lente favorito para realizar macros de comida es el Canon 100mm f/2.8 Macro.

 

  1. Un Buen Tripie

En el entendido de que la fotografía de alimentos es un proceso en el cual vamos construyendo una mimagen y que tenemos que realizar varios disparos de prueba, un tripie robusto es indispensable. Uno de las especificaiones que debes de tener en cuenta es la altura mínima de tu tripie, la altura común de una mesa de restaurante es de aproximadamente 75 cm. Mi tripié favorito en un Gitzo Serie 2, con Cabeza Acratech Ultimate, este me pemite la movilidad necesaria con un tripie ligero y estable.

 

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Origen: Portafolios (Soloimprime)

Introducción a la Fotografía de Alimentos Parte I

 

En muchas ocasiones al leer los libros de cocina o buscar recetas en el internet, la fotografía del platillo es el foco principal de la publicación, en muchas ocasiones dejando a la receta en segundo plano. Las imágenes perfectas, desde la cocción, la presentación, los aderezo, la vajilla y el montaje de la mesa, etc.

 

¿Cómo conseguir grandes resultados fotografiando comida?

 

Iluminación.

 

Trata a la comida como a cualquier sujeto de naturaleza muerta y asegurate de que estpe bien iluminado. Uno de los mejores lugares para fotografiar alimentos es una ventana, de preferencia orientada hacía el norte, por la que entre mucha luz natural – esta puede ser complementada por un flash rebotando en el techo, una pared o un foam board, para ayudarte a trabajar las sombras. La luz de día también contribuye a que tus alimentos se vean más naturales.

 

 

Accesorios.

 

Al fotografiar alimentos, es importante, no solo poner atención al arreglo del elemento principal, sino también al contexto de la imagen, al ambiente, esto incluye, los platos, los manteles y cualquier arreglo que le puedas hacer a la mesa. No llenes la escena de accesorios, considera solo los elementos necesarios, aquellos que aporten algo a la historia de tu platillo o de tu ambiente, estos elementos suelen ser, tenedores, flores, servilletas, condimentos, etc. Por lo general los ponemos en una posición secundaria, en el frente, fondo o fuera de foco.

 

Prontitud.

 

La comida pierde su aspecto apetitoso rápidamente, asi que necesitas estar listo y bien preparado para de preferencia hacer la fotografía, lo antes posible en mucho de los casos inmediatamente después de haber sido preparada, antes de que cambie de color, se derrita o colapse. Con estar listo quiero decir, que necesitas saber lo que quieres lograr con tu imagen, antes de que la comida llegue. Para esto te recomiendo, crear la escena previamente, colocar los accesorios donde los planeas, asegurar tu correcta exposición, muchas veces con un plato vacío, otras con un plato con un platillo similar o una primera prueba del platillo estrella, asi en cuanto esté listo solo reemplazas este por el que va a ser fotografiado.

 

Estilílzalo.

 

La manera en la que colocas un alimento en un plato es tan importante como la manera en que lo vas a fotografiar. Pon atención al balance de los elementos en tu escena ( colores, formas, tamaños, etc.). Una manera de aprender es observando y analizando libros de cocina, puedes aprender mucho de accesorior, ambientes y otros factores importantes.

David Izunsa

 

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Puerta al cielo Parras de la Fuente, Coahuila Los contrastes de las puertas azules con el cielo de este rincón de Coahuila fueron captados en el momento en que las nubes pintaron con su blancura el cielo.

Originario de Saltillo, Coahuila (1977) David Isunza (Licenciado en Ciencias de la Comunicación) ha dedicado gran parte de su trabajo a grabar y retratar con su móvil el paisaje y la historia de los habitantes de su estado natal.

Su trabajo es reflexivo e íntimo. A través de sus fotografías no sólo retrata lugares y personas, sino que nos muestra su forma de ver la vida a través de la lente, su obra transmite emoción y pasión por vivir.

A los 7 años tuvo su primer encuentro con la fotografía cuando su familia adquirió una polaroid y pudo captar un grupo de elefantes en el zoológico de El Paso, Texas quedando maravillado con la rapidez en que una imagen era atrapada en el papel fotográfico. Así hizo click con ese instante que se capta para siempre en una fotografía.

En la universidad su primer trabajo fue una sesión fotográfica con una pequeña de la familia, con lo que inició su gusto por temas como la inocencia y la alegría de la niñez.

Posteriormente, gracias a su trabajo como camarógrafo descubrió los rostros de la tercera edad, que forjados con la experiencia, y surcados por las arrugas hablan de todo un recorrido por la vida, temas que son una constante en su obra

“Mis fotos transmiten emociones, que son las que siento cuando las capturo. Tomar una fotografía es dejarte llevar por el sentimiento y la emoción” David Isunza.

Su tenacidad y paciencia le han permitido captar además los más bellos lugares de Coahuila, los cuales parecen cobrar vida a través de su lente, mostrándonos en Estado lleno de contrastes, de formas y colores, acercándonos a entornos diferentes y maravillosos, con su sorprendente forma de abordar los temas intensa y profundamente.

Las fotografías de David además de extraordinarias tienen la peculiaridad de ser realizadas con la cámara del teléfono celular, lo cual hace que su trabajo sea asombroso pues con este pequeño dispositivo, ahora al alcance de muchas personas, es como ha captado la colección de imágenes que actualmente se compone de más de 300 fotografías diversas, demostrando que no importa el aparato con el que se toma la fotografía, sino el ojo que hay detrás de la cámara.

“Una fotografía transmite una emoción, es una de las pasiones que tengo en la vida, ya que crecí rodeado de arte y creatividad” dice Isunza, durante una sesión fotográfica en el camino a Sierra Mojada, uno de los municipios más alejados de la capital de su estado natal, hasta donde la lente de su celular ha llegado para captar con su ojo mágico los rostros y paisajes que para muchos pasan desapercibidos y que a través de su mirada cobran nuevo sentido y reflejan una forma muy particular de ver el mundo.

Además de ser un extraordinario fotógrafo, David Isunza se confiesa apasionado de la música y la gastronomía, actividades que practica cada vez que su agenda lo permite, pasiones que heredó de su familia.

La fotografía de David Isunza es mucho más que el arte de capturar una imagen, en ella se refleja la pasión por la vida en todas sus manifestaciones, en sus fotografías se pueden admirar los paisajes naturales, los rostros, la flora y la fauna de Coahuila en todo su esplendor.

Así este gran fotógrafo saltillense nos muestra con su obra artística un Coahuila lleno de contrastes, multifacético, con gente sorprendente, lo cual ha descubierto a su paso por muchos rincones de su estado natal.

Pasión, sentimiento y emoción son tres ingredientes que están presentes en el arte de tomar fotografías a través del celular.

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Roja Rebanada de Sandía
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Mirando Hacia el Futuro
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El Rostro del Gigante
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Boquillas del carmen

Modos de Flash Manual contra TTL

 

¿Qué es el Modo TTL?

 

Las siglas TTL provienen del inglés Through The Lens, este modo funciona de la siguiente manera, el flash hace un pre-destello y la medición de la exposición que produce éste sobre la imagen, es recibido a través de tu lente. Posteriormente, la cámara y el flash, calculan la intensidad precisa a la que deberá emitirse en el destello final, esto se genera en milisegundos, para lograr una exposición correcta de la escena. De este modo, no es necesario realizar cálculos sobre el número guía de tu flash, tomar en cuenta la potencia a la que estás disparando, la distancia al sujeto que quieres ilumunar, el uso de modificadores de la luz, filtros, etc., en modo TTL tu flash realiza todos estos cálculos en base pre-destello y determina la potencia exacta a la que el destello final se requiere para una exposición perfecta. A pesar de lo increíble que suena el modo TTL existen situaciones en las que el modo Manual es una mejor alternativa.

 

Características del Modo Manual

  • Te da el mayor control posible, en cuanto a la intensidad que emite el flash.
  • Es el modo adecuado para aprender sobre iluminación: intensidad cobertura, calidad, dirección de la luz, etc.
  • Es posible emplearlo con cualquier modelo de flash y cámara (ya que no es necesario un tipo de comunicación específico entre ellos).
  • Te permite obtener el máximo nivel de potencia de tu flash.
  • Es el modo más apropiado cuando no hay variación de distancia entre sujeto y el flash.
  • El comportamiento de la luz es mucho más predecible que con TTL.
  • Si se deseas disparar de manera inalámbrica, los sistemas de comunicación disponibles son mucho más económicos.

 

Características del Modo TTL

  • Aunque el control se delega al sistema, tioenes la posibilidad de compensarla intensidad para ajustarla al resultado que estás buscando.
  • Para su funcionamiento, es indispensable que cámara y flash que sean compatibles y que tengan esta función.
  • La emisión de los pre-destellos hace que la potencia final se reduzca, aunque no significativamente.
  • Cuando se emplean modificadores, filtros, difusores, etc. El flash realiza los cálculos teniendo en cuenta estos aspectos sin ningún problema.
  • Es un sistema apropiado para situaciones en las que la distancia enre el flash y el sujeto no son constantes.
  • Si se desea disparar de forma inalámbrica, los sistemas de comunicación existentes resultan más caros.

 

Conclusión: si tienes tiempo para preparar la toma y ajustar la iluminación de la imagen, no lo dudes, dispara en manual. Lograrás exactamente el resultado que deseas (quizás no a la primera) y, lo mejor de todo, irás adquiriendo un mayor dominio de la iluminación artificial, que te ayudará a ser cada vez más rápido y preciso.

Composición Fotográfica

¿Cuál es la diferencia entre una buena y una excelente fotografía? Suponiendo que la exposición y el enfoque son correctos, y los colores han salido a la perfección al imprimirla, hay una serie de elementos de los hablamos continuamente al observar una fotografía: Estos elementos se resumen a lo que llamamos “Composición”. Y dependiendo de con quien lo discutamos, existirán puntos de vista y reglas diferentes, he aquí, algunos de ellos.

 

Centro de interés

Cada imagen tiene o debe de tener un centro de interés. El centro de interés es lo que nos hace hace entender de que trata la fotografía, tu mascota, el castillo de Tulum, las olas, etc.

Aunque lo llamamos centro de interés no tiene que estar en el centro de la fotografía ni debe de ocupar el mayor espacio en ella.

La selección de tu centro de interés es para mi, la decisión más importante al comporner una fotografía, es a partir de este elemento, que controlarás el mensaje que quieres transmitir con tu imagen.

 

Rellena el cuadro

Si quieres transmitir algo con una imagen, ocupa el mayor espacio posible con ese algo, asegurándote asi que ese es el centro de atención. Es muy común querer sacar demasiadas cosas en una fotografía, muchas veces perdiendo con esto la escencia del mensaje que queriamos transmitir, debido a la gran cantidad de elementos dentro de nuestra foto. Si tienes duda de que si algo debe o no debe estar en tu foto, la recomendación es, eliminalo.

 

Líneas

La líneas son elemtos de gran importancia en las artes visuales. Son las responsables de dar forma a las cosas, de mos trar contornos, con ellas podemos transportar a nuestros especadores de una parte a la otra de la fotografía, ya sean convergentes o paralelas, diagonale, horizaontales o verticales, nos aportan significado a los elementos, crean sensaciones de distancia y profundidad, en fin, experimentar con ellas es un gusto.

 

Flujo

Con flujo me refiero a la manera en que la mirada del espectador explora una fotografía, yendo de una parte a otra. Con el flujo creas una sensación de movimiento o la ausencia de él. Por lo genetar lo cras utilizando las línea a veces obvias o otras no tanto que existen en tu fotografía. Las líneas diagonales son consideradas las que tienen mayor dinamismo, mientras que las horizontales y las verticales se consideran más estáticas. Si logras balancealos elementos estáticos y dinámicos de tu imagen, esta tendrá un sentido de movimiento global y tendrás una imagen extraordinaria.

Dirección

 

Muy similar al flujo, tiene también la caractarística de crea la ilusión de movimiento. Si en una fotografía hay algo que parece estar en movimiento, definitivamente tiene una dirección hacia la que se está desplazando. Por ejemplo, una persona a punto de atravesar la calle, podemos imaginarla haciendolo un instante después. La imagén de la parte delantera de un automovil, a nuestra mente viene de inmediato la ilusión de ver la parte de atrás.

 

Repetición

El repetir elementos, como aves, manadas de animales, una copa llena de dulces, etc. Nos dan un sentido de relación entre los sujetos o elemento. Por ejemplo, una parbada de aves, viajando en “V” o alguna otra forma interesante, esto además de la relación, puede agregar líneas y un sentido de dirección. Psicologicamente puede ofrecernos un sentimiento de colaboración, de familia, o amistad.

 

Colores

Los colores siempre expresarán algo, los dividimos en cálidos y fríos. Los colores calidos son los rojos, naranjas y amarillos. Los colores fríos son los azules, verdes y violetas.

Existen muchos factores psicológicos relacionados los colores. Por ejemplo, los azules se consideran colores que transmiten paz, tranquilidad, mientras que lo rojos son más vida, intensidad. El color es determinante en una composición fotográfica, exite mucha literaruta al respecto, un ejercicio que puedes hacer es analizar tus fotografías favoritas y ver si tienen un patron de color definido.

Cuando hablamos de colores no debemos de olvidar el contraste tonal. El cual se de define, como la diferencia de luminosidad entre las partes más claras y más oscuras de nuestra fotografía.

 

Grupos de Tres

En la fotografía, existe una percepción especial hacía los números impares, especialmente el número tres.   Es algo díficil o imposible de explicar, pero fácil de sentir o percibir. Ya sea, en alimentos, macros, etc, el número tres suele funcionar perfectamente como centro de interés.

 

Espacio Negativo

Llamamos espacio negativo a los grandes espacios vacíos en nuestras imágenes, muchas veces son blancos o negros, pero puede ser un cielo enorme carente de nubes o áreas de la fotografía sin sentido, que no aporten a ella incluso le restan.

Sin embargo, el espacion negativo, nos permite transmitir sentimientos adicionales de aislamiento, soledad o tranquilidad en una escena. Es un recurso que no se utiliza frecuentemente, sin embargo, es importante tenerlo en cuenta aunque está en contraposición de Rellenar el Cuadro. Son simplemente dos maneras de componer diferentes que dan mensajes únicos.

Karla de la Rosa

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Hola!

Soy Karla y desde hace poco más de 6 años soy fotógrafa.

A decir verdad, no fui de las niñas que sabían lo que querían ser de grandes, he viajado casi desde que nací así que creo que estaba más ocupada explorando el mundo para ese entonces. Además de eso, soy muy soñadora y siempre me sentí atraída por todas las artes. La pintura, la música, el teatro, el cine. En la Universidad llevé un par de años de fotografía y fue amor a primera vista. Era mágico saber que si se podía congelar el tiempo.

Sin embargo, nunca consideré ninguna de éstas artes como algo a lo que pudiera dedicarme profesionalmente. Mi vida la encaminé hacia lo normal: trabajar en una gran compañía siendo una gran ejecutiva.

Tras varios años de haber logrado ser esa ejecutiva, un día desperté dándome cuenta que no era feliz donde estaba. Era un trabajo muy frío en el cual me encontraba con las alas cortadas. Por cosas del destino, justo en éste punto la fotografía volvió a mi, en un curso al que me invitaban a asistir en la ciudad de Monterrey.  Fue uno de esos momentos revelación en mi vida. Renuncié a todo sin pensarlo dos veces y con mi liquidación, compré mi primer cámara.

Intenté en varias áreas de la fotografía y cuando conocí la fotografía de bodas supe que ese era mi camino. Soy romántica sin remedio, me gusta rodearme de personas felices, hacerlas reír. Viajar, conocer lugares y sus historias, me fascinan las tradiciones de mi país. En una boda encuentro eso y mil cosas más.

Me encanta ser espectador, estar ahí sin estar, capturar para las parejas que confían en mi esos momentos que ellos no alcanzan a ver. El día que tanto planearon juntos, el despedirse de su familia en casa, papá bailando con su hija mientras recuerda esos años cuando la cargaba en brazos. Entregarles un legado escrito con imágenes que años mas tarde compartirán con sus hijos, es lo que más me provoca emoción de mi trabajo.

Hace un par de semanas, en mi boda más reciente, antes de salir a la ceremonia la mamá de la novia me dijo entre lágrimas: “Gracias Karla por regalarnos éstos momentos” Ni siquiera les había entregado sus fotos y ya estaba creando para ellos algo importante en su día. Fue donde me di cuenta, que mi trabajo va más allá de tomar fotos, de buscar locaciones impresionantes o cualquier otra cosa técnica o material. Es dejar a través de mi trabajo una experiencia en la vida de mis clientes y sus familias.

Mi principal inspiración son el amor, los viajes y el cine que además me enriquecen visualmente y se han convertido en mis aliados. Si tuviera que definir mi estilo sería natural, sin poses, romántico, divertido. Éste es mi trabajo y  sustento y lo disfruto cada segundo. Me gusta que mis parejas igual, vivan una experiencia única y disfruten el proceso. Poco a poco he ido atrayendo a mi ese tipo de clientes, y eso para mi es algo invaluable.

Trabajo principalmente en Saltillo, Monterrey y Riviera Maya o en cualquier destino que mis clientes elijan. También doy talleres y asesorías personalizadas para fotógrafos. Busco constantemente seguir creciendo cada día como persona, como fotógrafa y poco a poco recorrer el mundo y mostrar  nuestro México a través de mis ojos.

Gracias por leerme!

Si te interesa contactarme o saber más de mis servicios de fotografía o talleres y asesorías para fotógrafos, estoy a la orden siempre!

 

Facebook: Karla De la Rosa Photography

Instagram: @karladlarosa   @karladelarosaphotography

Web: www.karladelarosa.com

Mail:  k@karladelarosa.com

 

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Es uno de los días mas felices de la vida de mis clientes y me gusta reflejarlo en cada momento, dejo que la personalidad y energía del día nos lleven poco a poco a realizar fotografías que lo muestren
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Estar bajo el agua es increíble.Es muy fácil aislarse, quedar en silencio por unos segundos,dejar que la naturaleza y una novia feliz se vuelvan uno mismo. En ésta foto intento capturar un poco de esa magia.‬
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Unos segundos de calma antes de salir de la habitación rumbo a la boda. Para mi es importante que al ver sus fotos mis clientes recuerden esos momentos y mostrárselos de una forma especial.‬
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Creo que en cualquier instante puede surgir una foto increíble. Aquí la boda estaba a punto de terminar y nada mejor para cerrar un gran día con unos novios felices en la pista de baile.‬

Arturo Sanromán

Arturo Egresó en 1982 de la carrera de Diseño Industrial en la Universidad Nuevo Mundo en la Ciudad de México. Para entonces ya había participado de varios cursos y talleres de fotografía. En 1979 Ingresa al despacho Formata Diseño, donde es responsable de cubrir los eventos de la revista turística AcaHere en las locaciones de Acapulco, Ixtapa-Zihuatanejo y Taxco, así como proveer material fotográfico necesario para proyectos adicionales de los clientes del mismo despacho.

En 1984, sus inclinaciones por la tecnología lo llevan a forma parte del equipo de IBM, responsable del lanzamiento de la PC en nuestro país. Más adelante en 1986 fundaría la empresa Graficrom. Buró de pre prensa digital, donde adquiriría los conocimientos especializados del manejo de archivos de imágenes en formato digital.

En 1996, constituye con amigos la empresa Bajanet, en Baja California Sur y se va a radicar en 1997 a la ciudad de La Paz, donde brindan servicios de ISP (Internet Service Provider), Constituyéndose como uno de los primeros proveedores en el estado. Generando contenido fotográfico de promoción para el estado a través del portal web de la empresa.

Para 1999 decide abrir una empresa filial a Bajanet, aquí en Quintan Roo, en la ciudad de Playa del Carmen, donde además de proveer servicios de ISP, brindarían soluciones en fotografía, diseño y comunicación gráfica.

Después de dedicarse del 2001 al 2008 en áreas distintas a la fotografía y más relacionadas con TI y sistemas de información. En 2008 decide retomar sus raíces en la fotografía profesional, y enfoca sus actividades fundamentalmente en brindar servicios de fotografía de retrato, comercial, interiorismo, paisaje, y producto.

 

Radica desde 2015 en la ciudad de Cancún donde ha participado en múltiples proyectos profesionales, así como en exposiciones Colectivas e individuales dentro del estado.

Muestra de Artes Visuales Quintana Roo 2015. Especialidad Fotografía

26 Septiembre 2015, Casa de la Cultura, Cancún QR

 

Visiones de la Naturaleza, Sureste Mexicano

12 Marzo, 2016, Playa del Carmen QR.
Guardianes del Manglar, Exposición fotográfica

Julio 30-31 Tajamar, Cancún, QR

 

Muestra de Artes Visuales Quintana Roo 2016. Especialidad Fotografía

26 Septiembre 2015, Casa de la Cultura, Cancún QR
Bienal de Artes Visuales Cozumel 2016
7 Noviembre 2016, Museo de la Isla de Cozumel, QR

 
La fotografía es el arte de interpretar la luz. Y es el manejo que hagamos de ella, lo que quedará plasmado en una imagen.

Arturo Sanromán
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Inmensidad Nikon D7000 f/18 1/50sec. ISO-100 0.0 Bias Nikor AF-S DX 18-105 ED VR @70mm La majestuosidad, su colosal tamaño, la energía que posee. Los centro de tormenta o CumulusNimbus, que llegan a medir hasta 20km de altura, son fácilmente apreciables en la costa, donde nuestra visión no se ve obstaculizada por edificios, montañas, etc. Siempre he tenido cierta fascinación por las nubes.
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Casa Chechen II Nikon D7000 f/5.6 1/60sec. ISO-100 +0.3 Bias Sigma APO 70-200 @200mm Cuando llegué a vivir a Cancún, me hospedé temporalmente en una casa de huéspedes que se encuentra en la colonia Álamos. La casa como las de por ahí tranquila y espaciosa. Tenía en el jardín un canal de nado donde cada tarde bajaban los Zanates a refrescarse, tomar un baño y porque no, a disfrutar un poco del agua.
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Líneas Pintadas de Amarillo Nikon D7000 f/8 1/250sec. ISO-320 0.0 Bias Nikor AF-S DX 18-105 ED VR @105mm Cuando estamos atentos a nuestro entorno, es posible detectar escenas que hasta podrías considerarse antagónicas. Pero la composición minimalista y abstracta que nos brinda el barandal, permite que el colorido del ave y su misma presencia le te otra tesitura a la imagen.